Federico Farrington: Sobre pieles

El rapto de artemisa

Cuando se para frente a la tela, Federico Farrington no le teme al color. Mucho menos a las tendencias estilísticas actuales. No vacila en manejar una paleta de acrílicos brillantes ni en su acercamiento a las escuelas del surrealismo, la neofiguración y la transvanguardia.

Tras una carrera en el diseño y su vínculo a la pintura, es en su etapa madura cuando el artista decide completar un grado en pintura en la Escuela de Artes Plásticas (EAP) en el Viejo San Juan. De esto hace unos dos años, y sostiene que le ha permitido tener un acercamiento y entendimiento con los hacedores más jóvenes del arte, así como el respeto recíproco a sus respectivas propuestas.

Es en la EAP donde depura su práctica y se pone en contacto con otros medios contemporáneos, aunque prefiere seguir por ahora en la pintura.

En su encuentro con El Naufragio de las Palabras en su taller, reconoce que en el arte ¨prácticamente ya todo está hecho y por eso tengo la necesidad de hacer una pintura replanteada, que tiene que ser más fuerte, más contundente¨. Asegura que le ocupa el proceso de cuestionarse la pintura sin emigrar del medio.

¨Yo defino el arte como un proceso de transformación, primero a ti como artista y luego la posibilidad de transformar a otros con lo que les presenta¨, manifiesta Farrington. ¨Me afecta cualquier cosa que sea un atentado contra la libertad, que venga como una agenda o a manipular. Me busco mucho en lo que nos conviene a nivel espiritual. Lo que planteo es el no saber¨.

El artista elabora personajes frontales -para hacerlos más persuasivos- que se van transformando ante nuestros ojos y nos dejan con la idea de rebuscar sobre pieles. Construye personajes donde cada color es una nueva epidermis que brota una y otra vez sin revelarse por completo.

Es ahí donde entran en juego lo misterioso e indescifrable de sus hombres y mujeres que muchas veces son los que nos miran primeros para recordarnos que los intrusos somos nosotros, mientras continuan con su transformación. No sonrien, simplemente están ahí.

Las pieles les sirven las más de las veces de antifaz y la sexualidad casi siempre los rondan. Ya sea cuando estos personajes nos muestran su genitalia, o encontramos el referente en narices fálicas o bocas casi vaginas, y en pechos-pecherines desbordados.

Explica que siempre descompone la figura con un interés deliberado y controlado. Y destaca la importancia de los ojos ¨porque esa es la salida o entrada al interior, y trabajo con lo que hay detras de esa mirada, lo que está oculto, porque es ahí donde está el misterio¨.

Cuando trabaja, Farrignton dice que intenta buscar ¨un punto medio entre la razón y la intuición¨, pero establece que son pinturas bien pensadas sin espacio para accidentes.

Eso no quiere decir que se ciñe en exclusivo a un boceto, ya que no deja que este lo guíe hasta el final ¨porque un boceto te puede perjudicar una pieza¨.

¨Soy muy perfeccionista y si veo que el particular está afectando la totalidad de una obra yo lo cambio aunque no esté el boceto¨, añade.

El artista, quien prefiere no firmar sus obras, se prepara para tener su primera exposición en solitario este año, con piezas en mediano formato. Realizará principalmente rostros, a diferencia de piezas anteriores que abordan personajes de cuerpo entero y con una narración visual con más elementos.

En adelante, confiesa que continuará esa búsqueda de cuerpos mutantes que nos van revelando quien sabe si lo mejor o peor de cada uno, quien sabe si se refiere a sus propios personajes únicamente, quien sabe si nos encontramos también ahí.

Prototipo: proyecto editorial sobre cultura contemporánea

Para los que buscan nuevas propuestas edioriales ya está disponible el más reciente volúmen de la publicación especializada en temas culturales contemporáneos, PROTOTIPO 7.0 fundada y dirigida por Dyanis De Jesús Colón, quien reside en Chicago y cuya trayectoria profesional abarca principalmente desde el arte, el periodismo y la publicidad.

De Jesús Colón ofrece en esta edición un viaje cultural por España, Francia, Argentina, Italia, Estados Unidos, México, Suiza y Puerto Rico, con propuestas creativas, escritos, imágenes y piezas de arte originadas en cada uno de estos países, todos interconectados por la tecnología y las redes del ciberespacio.

Al referirse al ¨network¨, como parte de la estructura que proyecta a través de su publicación, De Jesús Colón plantea una serie de cuestionamientos como introducción y saludo a la presentación de su proyecto editorial, en el cual cuenta con la colaboración de Eduardo Cintrón, como director de arte.

¨En esta versión de mundo que habitamos, esa interrelación es la norma (o se ha hecho más evidente). Algunos aprovechan este estado para divulgar, influenciar, exponer propuestas estéticas; otros te quieren convencer de las ideas propias y algunos otros pretenden ignorar este continuo flujo del que todos nos nutrimos y por el que toda acción tiene una reacción, colectiva¨, señala la joven creativa. Y añade que ¨no tenemos una respuesta a ninguna de estas cuestiones. Es una simple provocación para todos los creadores allá afuera, ¿qué rol juega el network en ti? ¿qué rol juegas tú en él como ente creativo? ¿cómo te alimentas de esta idea?¨.

Con un diseño ágil, actual y muy creativo, encontramos en la publicación un escrito de la curadora Marina Reyes Franco acerca de la dinámica presente del arte joven en Buenos Aires, donde reisde y realiza estudios en historia del arte. Por su parte Juan Roberts, quien reside en Rincón, Puerto Rico, comparte lo que denomina ¨una novela blog¨ titulada Strawberry Roaches. Piezas de la artista Migdalia Barens, joyería de Lucymar Delgado y editorial fotográfico de moda de Mara Corsino, son algunos de los tópicos que encontramos.

Los que deseen saber el costo y obtener un ejemplar de esta publicación PROTOTIPO 7.0 pueden escribir a dyanis@gmail.com  /  prototipomag@yahoo.com

RESEÑA CIRCA

Ikaro Zorbar

Angel Otero

Omar Velázquez

Jorge Díaz Torres

Manuel Archain

Alrededor del arte: la experiencia Circa 2010

SAN JUAN, Puerto Rico - En su quinta edición, Circa, la primera feria de arte de Puerto Rico, a simple vista parece no lograr la trascendencia esperada para un evento de esta naturaleza y precisamente al cabo de cinco años desde su fundación.

Distintos factores podrían abonar a esta situación, entre los que cabe mencionar el enfoque de sus realizadores, la falta de apoyo del gobierno y, por supuesto, la crisis económica mundial que parece hacer más mella en la Isla.

Respecto al enfoque, aunque se trata de una feria de arte contemporáneo, esta vez sus organizadores Roberto Nieves (director y presidente) y Celina Nogueras (directora artística) apostaron por propuestas artísticas más ¨amigables¨ contrario a años anteriores cuando podían apreciarse trabajos más contundentes y arrojados, muy propios de estos tiempos, y por lo tanto más actuales.

Claro, eso podría tener una explicación en el sentido de que a diferencia de una exposición, la feria de arte es un mercado para vender piezas, y no necesariamente emarcadas dentro de una temática particular. El fin de la feria es vender y en el caso que nos ocupa ésta se realiza en un mercado que no está del todo maduro. En ese sentido, sus organizadores buscarán atraer piezas y artistas que logren capitalizar su inversión en un escenario de reducidos compradores. Esto no significa que carezcan de importancia y valor.

Circa se realiza con un presupuesto reducido que ronda los $200,000 poco más o poco menos, sin el apoyo, o más bien el apoyo tímido del gobierno (una asignación por debajo de los $20,000). La cultura, que nunca ha sido vista por ninguno de nuestros gobernantes como un instrumento de actividad económica, repite su experiencia de relegada en la celebración de Circa.

Tan reciente como la última semana de enero una delegación del gobierno local, encabezada por la Compañía de Turismo, acudió a una de las principales ferias de turismo del mundo, FITUR 10, celebrada en Madrid, España. Cómo se explica que la celebración de Circa no encuentre resonancia en el apoyo del gobierno como parte de sus estrategias para mercadear a Puerto Rico como destino. Cómo se justifica que se puedan repartir en ese evento en Madrid opúsculos de paradores sencillos de las diferentes regiones del país, y en cambio un evento como pudiera ser Circa no alcance ni siquiera ese espacio.

Obviamente existe un problema de proyección de la feria de arte, un problema en el convencimiento de las autoridades y posibles auspiciadores, y una falta de visión. Y no se trata de un señalamiento en una sola dirección.

Por qué puede y debe ser importante Circa. Bueno, porque además de ser una entidad privada que naturalmente beneficia a sus desarrolladores, también puede ser una ventana para presentar el trabajo de artistas locales que al entrar en contacto con expositores de otros países pueden lograr contactos y compradores internacionales. También puede ser un atractivo en la región para convidar a coleccionistas y amantes del arte, o simplemente viajeros, a considerar Puerto Rico como destino caribeño donde igual se puede apreciar y adquirir arte de calidad. No es que nada de esto ocurra, es que debe ocurrir más y ser más notable.

Sus organizadores sostienen que se genera un movimiento o actividades paralelas a la feria, como visitas a colecciones privadas, otras exposiciones y demás. Circa también genera empleos temporeros, genera ventas -pocas o muchas, pero ventas-, y eso no es negativo. Circa se convierte en una posibilidad de abrir espacios para educar sobre el arte contemporáneo aunque esto no esté ocurriendo.

Se le percibe como una feria elitista, de unos pocos, y basta irse a la calle y preguntar cuántos sabían qué era Circa, y muy pocos todavía no la conocen. Y no aludo a la masa -por referirme a la mayoría de las personas con una educación promedio-, sino a los profesionales, jóvenes profesionales que ni siquiera saben lo que es esta feria de arte.

Ya han pasado cinco años desde la primera Circa, y esta vez se cambió su fecha de realización que había sido alrededor del cuarto y quinto mes, para aventurarse a comenzar el año, antes que otras ferias establecidas a nivel internacional. Si esto resultó positivo o no, ya nos enteraremos.

Este año el espacio de exibiciones en el Centro de Convenciones en Miramar parecía menos ocupado, aunque los organizadores aseguran que el total de expositores es el promedio de siempre. Había galerías de Alemania, Argentina, Colombia, China, Costa Rica, España, Estados Unidos, Taiwán y Puerto Rico.

El proyecto Circa Labs, que consiste de contenedores donde se invitan a artistas emergentes o galerías, y hasta ahora había funcionado fuera del recinto principal, esta vez se les vio literalmente dentro de la feria. El concepto de los contenedores bajo un techo y la comodidad del Centro de Convenciones le confieren otra dinámica, no del todo adecuada.

Qué sobresalió en Circa 10. Poca fotografía, mucha pintura, dibujos, pocas instalaciones, pocos videos, y poco arte con carácter.

Una vez más, Omar Velázquez logra sobresalir por su trabajo, primero en la Muestra Nacional de Artes del Instituto de Cultura Puertorriqueña, y ahora en Circa. El joven artista presentó sus grabados de gente de la calle en tamaño natural, sobre enormes pedazos de papel simulando pescado colgando del techo. La mano diestra de Velázquez, la textura y el impacto de sus piezas casi hacían sentir el olor ocre al que aludían.

Muy cerca del espacio en solitario que ocupaba Velázquez, estaba el trabajo presentado igual en solitario del artista Jorge Díaz Torres, con su estética de imitar objetos comunes protegidos por enrejillados galvanizados, creados con esmero tal que casi resulta imperceptible la diferencia con el objeto real. La experiencia fue notable en dos de sus piezas, una con dos cilindros de gas realizados en papel, y una enorme nevera de hielo realizada con diferentes materiales.

De las galerías del exterior llamó la atención Casa Riegner con el trabajo rudimentario del artista colombiano  Ikaro Zorbar, quien presentó pequeñas maquinarias que aluden a los sonidos, como una que accionaba un casete y se podía escuchar la pieza Volver, mientras al extremo de un tablero otra maquinaria recogía la cinta. Son canciones vinculadas a experiencias sentimentales del artista y la acción de la máquina como apoyo para la memoria.

Sobresalió, además, las fotografías del artista argentino Manuel Archain, con escenas cotidianas cargadas de ironía y surrealismo, como la pieza Secador. En esta muestra a una chica con toalla amarrada a su torso mientras su cabello chorrea en un lavabo. Tiene una mano extendida hacia atras y una mano de hombre en chaqueta negra le extiende un arma en lugar de un secador.

Del ya exitoso artista puertorriqueño Angel Otero, había una pintura de mediano formato con sus manteles y jarrones con flores, donde se destaca el uso de materiales y las sensaciones de profundidad logradas en su trabajo. 

Cuál es el futuro de Circa. Eso sólo sus organizadores lo saben. Lo que sí esperamos es que este sea uno de esos eventos que puedan continuar y logren la trascendencia necesaria para el país. Que sea una feria inclusiva y que se le agreguen otros componentes para que logre mayor resonancia. Naturalmente eso requiere de más dinero, reenfoque y apoyo. Después de todo, es un logro mantener cinco ediciones vivas.

Reseña SUPRATEMÁTICA en LA 15

Myritza Castillo

Inés Aponte

Dhara Rivera
Kristine Serviá

Fotos cortesía de Joel Cintrón Arbasetti, de post-data

Supratemática, la reciente exposición que nos presenta el artista José Jorge Román en su espacio LA 15, con una pequeña muestra colectiva de las artistas Inés Aponte, Dhara Rivera, Myritza Castillo y Kristine Serviá, no permite una lectura fugaz.

Las obras no están identificadas, ni siquiera sabemos si llevan títulos, pero no están ausentes de alegatos. Al detenernos en la puerta de entrada del reducido espacio expositivo, podemos divisar las piezas de las cuatro artistas de dos generaciones: las primeras dos hace tiempo establecidas, las siguientes dos en pleno desarrollo. Cada una planta bandera con su temática en medios diversos, Aponte presenta 15 piezas en fotomontaje, college y vídeo; Rivera muestra fotografias y una instalación de ¨objetos¨; Castillo enseña dibujos y una instalación, mientras Serviá opta por tres dibujos de mediano formato.

A la derecha nos encontramos con un pequeño escritorio y una maquinilla probablemente de los 70, con una larga hoja de papel. Esta es la pieza de Castillo ¨Little stories of a collectives sub-dreams¨, cuyo título y el de las demás obras me he enterado días después.

La instalación ¨trabaja con la capacidad de las personas en general para crear historias reales o ficticias dentro de un contexto de una historia o un relato¨, donde se convida al espectador a sentarse y agregar su parte de la historia, a la iniciada por Castillo en una acción la noche de apertura. Detrás de la pieza hay tres dibujos de la maquinilla, vista desde diferentes ángulos. Con su obra, la artista espera que ¨de alguna forma nos sensibilicemos y regresemos a las cosas básicas¨, mediante una tarea arcaica como resulta la escritura en una maquinilla en una era de alta tecnología.

Hay en la pieza una confrontación a la sofisticación del momento, y a la pérdida del valor en las cosas sencillas y cotidianas. Probablemente muchos de los asistentes a la exposición, y no podemos olvidar que aunque LA 15 es frecuentada por un público heterogéneo siempre abundan los jóvenes menores de 30 años, éstos nunca hayan tenido contacto con una maquinilla. Con la acción Castillo retrata un presente de carencias en medio del tumulto, y lanza un detente para reflexionar.

En el corto recorrido llegamos a la instalación de 15 piezas en pequeño formato de Aponte, que al principio nos parece una sola obra y luego descubrimos que no lo es. ¨Ropa, Casa y Comida¨ es el nombre de la serie, que integra el fotomontaje y el collage. Visualmente atractiva, la pieza ¨investiga la naturaleza frágil y compleja de la vida cotidiana¨.

Aponte utiliza un lenguaje de signos para explorar o denunciar la venta de casas con ¨Casas para la venta I y II¨, o ratoneras de cantazo, donde literalmente vemos las típicas trampas para cazar rajieros. La ironía y el humor ofrecen una gran dosis en la obra. Así vemos la relación literal entre imágenes y dichos populares en las diferentes piezas. Mientras en el vídeo hay un juego visual de cuadrados que se ordenan y reordenan constantemente.

Muy cerca están las piezas de Rivera, llamadas ¨Muestrario¨. Una serie de fotografías y una instalación de pequeños objetos dorados cubiertos en algunas de sus partes con tejido en crochet rojo, montados en una vitrina blanca.

El trabajo de la artista resulta enigmático, cuando nos enfrentamos con pedazos de objetos encontrados o pedazos de animales disecados. Hay un proceso arqueológico y de preservación de esas piezas que evocan vida desde su estado inanimado. Hay un respeto y un reconocimiento, por algo adquieren ese color dorado, por algo llevan ¨vestiduras¨ de rojo sangre que es vida. Hay rescate y hay apego.

Culmina el recorrido con la serie ¨Filtros¨, de Serviá, quien asegura estar ¨explorando cómo el desarrollo de conflictos y resoluciones se desenvuelven (se construyen, empeoran, mejoran y luego desvanecen) dentro de las relaciones interpersonales¨. Lo muestra con un tríptico sobre papel, en el cual cada hoja aborda una parte del proceso, o como la artista dice ¨la interactividad entre un emisor y un receptor¨.

Serviá construye -a dibujo riguroso- una serie de cajas, contenedores y archivos, unos sobre otros, amontonados, muchos, pero organizados, de los cuales salen líneas de conexión que viajan por la primera hoja, atraviesan la segunda y retumban en la tercera, y viceversa. La artista, con una preoccupación particular por el orden en sus trabajos anteriores, sigue esa temática en la presente pieza pero desde otro punto. Esta vez hay una exploración directa individuo-individuo, y no individuo-lugar, individuo entorno o espacio, aunque todo esto pueda estar presente.

En general, para esta muestra en la cual prevalece el lenguaje conceptual, el espacio resulta adecuado y cada artista respira desde el lugar asignado por la curaduría de Román. Ninguna pieza riñe con la otras.  Supratemática resulta una muestra intrageneracional convincente con marcados diálogos donde sobresale la preocupación por el origen del presente -que es historia-, tanto a nivel personal y colectivo, desde un pasado rescatado y preservado, con miras a un futuro. Supratemática es el cuestionamiento del presente globalizado y desarrollado, con miras a un pasado. Supratemática es el diario vivir del yo con el yo, con el otro y con los demás.

Desde la diáspora: OSVALDO BUDET

En la óptica de Budet

BERLIN, Alemania - Entre el antes y el después, justo en ese instante que relata una parte de la historia -o igual la encubre, o la transforma- es cuando el artista Osvaldo Budet se detiene para contarnos su relato. Es a mitad de camino que nos llama la atención, siempre de frente, husmeando, intentando llegar al lugar de los hechos cual paparazzi que busca la primicia.

Budet se codea con los que hacen historia, los aborda, los abraza, los entrevista, los acompaña en el camino y luego comparte la experiencia. Hace las veces de ciudadano curioso, pero las más de periodista incisivo siempre dispuesto a llegar hasta donde sea necesario.

¨Lo más que me interesa es que mi pieza sea un foro para hablar de lo que la gente no quiere hablar. No sé cómo la gente lo lee¨, contesta Budet, a las preguntas sobre qué pretende conseguir con sus obras y si percibe que el espectador logra captar su propósito.

El artista, que estudió pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan -donde se graduó en 2004- y luego hizo un máster en pintura en Maryland Institute College of Art (MICA), recibió a El Naufragio de las Palabras en su apartamento estudio en Berlín, en donde se ha instalado hace siete meses en busca de nuevas oportunidades en el complejo mundo del arte.

La ciudad de Berlín, uno de los centros vibrantes del arte contemporáneo en Europa, no ha estado ajena al golpe de la crisis económica mundial, pero todavía mantiene la actividad  necesaria que atrae a artistas de diversos países -como Budet- dispuestos a forjar sus carreras. Muchas galerías han cerrado, pero muchas también mantienen su presencia. Él anda en busca de una.

Budet se ha destacado con sus pinturas figurativas en blanco y negro, y sus fotografías -principalmente en blanco y negro- que evocan documentales fílmicos, medio que cuestiona y reinterpreta para confrontar al espectador con ¨realidades¨  o ¨mentiras¨, o con lo que de ordinario no está dispuesto a ver.

Su aficción por los documentales lo ha llevado a poseer una colección extensa y a explorar desde su contenido hasta los materiales utilizados en el producto final. Por eso, no es extraño encontrar en cada pieza las referencias continuas a esos materiales, y al formato del medio, obras a las que además les agrega textos a modo de subtítulos.

¨Mi acercamiento al documental lo hago como artista, pero cumple con el formato de documental.

El documental plantea la realidad pero yo veo que no plantea la realidad, sino que parte de esta. Cuando trabajo una imagen no me importa que sea verídica, sino usar la historia para contar una historia¨, explica Budet, quien empezó con una cámara de vídeo a documentar marchas en contra de la Guerra a partir de 2006, mientras realizaba la maestría.

Una de sus piezas más conocidas es una fotografía que capta la visita de Barack Obama a Puerto Rico durante su campaña electoral, rumbo a la presidencia de Estados Unidos. En esta se observa a un Obama sonriente en medio de la multitud que le sigue, mientras un joven con grandes anteojos se agacha y lo abraza por la cintura.

A simple vista resulta una imagen simpática, hasta que se la ve con detenimiento. Es el retrato de la colonia en todo su esplendor de pleitesías, de loas al Americano que traerá el bienestar con ayudas de mantengo al pueblo que le recoge fondos para costear su campaña. El joven que abraza a Obama simboliza al colonizado agradecido de su condición, y que luego se irá a celebrar por haber tocado al colono, que aunque ni squiera lo mira, al menos sonrie, y eso le basta para sentir que lo acepta.

En esta pieza Budet encarna al personaje del colonizado. Es este un elemento distintivo en la obra del artista, ya que se inserta en las escenas de sus cuadros o fotografías, como un personaje más, por eso es paparazzi, es periodista, es espectador. Ocupa tantos otros personajes que aparecen una y otra vez junto a Fidel Castro, al lado de Hugo Chávez, en un buque de Guerra, en carrera para escapar de los ataques en Vietnam, y así en tantas otras historias.

¨Cuando llegué a la maestría de pintura lo hice sin querer pintar y empece a cuestionar la pintura, aunque le tengo mucho respeto, y empecé a trabajar el documental y la fotografía. Un día me di cuenta que no exploraba mi humor y es así que empiezo a insertarme -como personaje- en mi trabajo, sea pintura o fotografía¨, explica.

Asegura que en un principio no fue cómodo ¨trabajar con mi persona¨, porque además de exponerse ante el espectador, la preparación que eso requiere le toma más tiempo, toda vez que realiza sesiones fotográficas con las poses en las que desea aparecer y de ahí parte a elaborar los bocetos en computadora. ¨Yo me retrato con la sicología de cómo veo al puertorriqueño. Trabajo con mis complejos¨.

Cuando hace pintura prefiere trabajarla sobre panel, y lo hace con un enfoque bien pensado sin espacio para accidentes. Se acerca al medio con elementos del documental y recrea el pietaje en cada escena. Por eso presenta una imagen centralizda y los bordes superiores e inferiores siempre son negros, trabajados con óxido de hierro.

Budet, a quien su profesor José Lerma le inculcó el valor de la pintura, también entrelaza las referencias a otros pintores, ya sea al incorporar imágenes o personajes apropiados o mediante el uso de materiales empleados por otros pintores en el pasado. Son claras las referencias a obras de Goya, al nitrato de plata empleado por Pollock, al ¨diamond dust¨ usado por Warhol, y así se pueden añadir otros ejemplos.

Su trabajo, tal y como acepta, ¨siempre es político¨. En el demuestra sus amplias capacidades como dibujante y pintor, en particular al lograr expresiones y gestos creíbles, y ambientes igualmente reveladores. Trazo limpio y cuidadoso. Sólido contenido.

El tema de los documentales lo aborda desde hace casi tres años y asegura que desea llevarlo a otro nivel, porque necesita sentirse incómodo para poder trabajar. ¨Hay ciertos aspectos de mi obra que quiero darles un ´twist´ y estoy en un momento de investigación. Yo sólo hago cosas que me hacen sentir incómodo y ya me siento cómodo con la fotografía. En este momento dejé de hacer fotografías y estoy pintando¨.

¨Cuando el artista en general está en una posición de incomodidad el proceso creativo rinde mejor su resultado y no sé realmente porque ocurre así¨, agrega.

Al presente, trabaja en una serie -algo que no suele hacer-, esta vez sobre la Guerra Civil Española. Con este trabajo espera poder realizar una exposición en Berlín el próximo año. ¨Quiero trabajar más series y explorar el tema, la investigación es la parte que más disfruto¨, asegura Budet, quien es representado en Puerto Rico por Walter Otero Gallery.

En la Isla, el artista colaboró con proyectos de corte social con José Jorge Díaz en la comunidad de Caimito, y con Mary Ann Hopgood en el denominado Museo del Barrio de Santurce, un proyecto que se oponía a la expropiación de casas de los residentes humildes aledaños al Museo de Arte de Puerto Rico, para dar paso a desarrollos de viviendas de alto costo.

Por lo pronto, Budet se muestra satisfecho con su estadía en Berlín y enfocado en lo que tiene que hacer. Añora el calor de su Isla, pero no le incomodan las bajas temperaturas. Nos ha recibido descalzo e igualmente se despide.

Blogs de arte

(Este escrito de Carlos Antonio Otero formó parte de la publicación CONBOCA presentada durante la reciente Trienal Poligráfica de Puerto Rico y El Caribe. Ahora es presentado en este espacio como preámbulo a la charla ¨Los blogs de arte en Puerto Rico¨, que será el 6 de agosto en la sede provisional del Museo de Arte de Ponce en Plaza Las Américas, organizado por Arlette de la Serna, curadora asistente en el MAP.)

Hacia una revolución de la conciencia:

Espacios cibernéticos y el arte contemporáneo en Puerto Rico
El filósofo húngaro Erwin Laszlo le apuesta al arte como uno de los elementos fundamentales del nuevo paradigma de la humanidad y destaca el trabajo de los artistas que poseen un sentido de compromiso mayor, no sólo con su trabajo, sino con su entorno y el mundo que los rodea.
Sostiene que en estos tiempos ¨necesitamos algo más¨ de los artistas y el arte, ya que ¨el arte es un elemento de la cultura y ésta, a su vez, es un elemento de la comunidad humana, la cual necesita una nueva conciencia. Por consiguiente, y respecto a la evolución de la conciencia actual, la sociedad necesita el arte¨.
De esto estaba muy conciente la artista y profesora María de Máter O´Neill cuando en 1995 se aventuró a abrir la primera ventana independiente en el espacio cibernético, dirigida a documentar la escena cultural en la Isla. La iniciativa, nombrada ¨El cuarto del quenepón¨, de inmediato, hizo pensar a muchos en otro paso de avanzada hacia la democratización del arte a través de la nueva tecnología disponible.
A casi 14 años de aquella gestión que permaneció durante una década, la información acerca del arte contemporáneo local se produce eminentemente en espacios similares desarrollados por artistas, escritores y gestores culturales, quienes buscan establecer sus propuestas creativas, así como levantar discusiones y debates en relación a lo que se hace y no se hace en Puerto Rico.
Sobre una veintena de estos nuevos ¨centros¨ de información subsisten amparados en su compromiso con las artes, la mayor parte del tiempo al margen de las instituciones oficiales -entiéndase gobierno, museos, galerías, críticos, coleccionistas, etc.- que muchas veces les han dado la espalda o, cuando mucho, les han brindado apoyo tibio.
Aunque los medios de comunicación tradicionales, por su parte, relatan ciertas incidencias de la plástica insular, la cobertura por razones de espacio, prioridades y compromisos particulares, a veces resulta limitada, sobre todo en cuanto al arte más ¨contemporáneo¨.
Si en los 90 y desde mucho antes hablábamos de la democratización del arte; en el escenario actual global, y con los acelerados cambios en la tecnología, más bien podemos hablar -como plantea Laszlo- de ¨la revolución de la conciencia¨, como motor de los nuevos espacios cibernéticos, que más allá de divulgar una información particular, pretenden lograr un cambio en la manera en que se miran, se abordan, se entienden y se consumen las nuevas propuestas artísticas. No se trata de arrinconar lo ya hecho, más bien se lucha para que se no se arrincone lo que se empieza a hacer.
Por eso vemos plataformas en la ¨red¨como las publicaciones Conboca, Autogiro, Dónde veo arte, Box Score, Repuesto, Harte, MSA-Xperimental, Orificio, y más recientemente El Naufragio de las Palabras, sin olvidar el espacio Rotund World, del fenecido Joel Weinstein, entre otras, que desarrollan proyectos, anuncian exposiciones, hacen reseñas y críticas, documentan eventos con fotografías y vídeos, plantean asuntos neurálgicos relativos a las artes y abren foros de discusión al instante.
La importancia hoy de esos espacios cibernéticos es tal, que son muchos los asuntos que no hubiesen transcendido, o no nos hubiésemos enterado antes, a no ser por el trabajo no remunerado que realiza cada cual desde su ventana virtual.
A diferencia de los medios tradicionales de información, en los nuevos espacios -en parte porque no son empresas comerciales- existe un ambiente de colaboración a pesar de los puntos de vista que cada uno tiene. De esta manera, la tecnología, con todos sus beneficios (ya dejaremos el asunto de sus limitaciones y desaciertos para otra ocasión) ha sido vital para la difusión de las nuevas voces del arte contemporáneo puertorriqueño, sin necesidad de pautas, de compraventas, de subterfugios, ni de cacicazgos.
Apenas se comienza a labrar una nueva conciencia, y ya estamos en uno de los caminos. Un arte inclusivo para todos.

Entrevista Teresa López

Teresa López: arte y documentación
A una década de iniciar el proyecto Orificio, la artista y profesora Teresa López concluye una etapa de esta publicación, la cual sirvió de plataforma para que decenas de artistas impulsaran trabajos y propuestas, y entablaran un diálogo impreso y visual con los seguidores del arte contemporáneo en Puerto Rico.
López logró editar seis ediciones de Orificio, que dan cuenta del trabajo creativo realizado durante los pasados años, ejemplares que constituyen una importante documentación, sobre todo, ante la falta de espacios para las manifestaciones alternativas en los medios de comunicación tradicionales.
Como bien admite López en entrevista con El Naufragio de las Palabras, Orificio es parte de trabajos independientes iniciados por otros, como el espacio cibernético ¨El Cuarto del Quenepón¨ de la artista y profesora María de Máter O´Neill a mediados de los ´90, que surgieron como proyectos experimentales y que han significado aportaciones relevantes para la escena puertorriqueña del arte.
Orificio surgió en 1999 mientras López se desempeñaba como profesora en el Departamento de Imagen y Diseño de la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico (EAP) y se interesó en abrir un espacio para que los estudiantes se relacionaran con la producción artística e intelectual de la facultad.
¨La escuela en sí era un lugar en donde estudiantes y profesores socializaban y, de ello surgían muchos intercambios interesantes, ocurrían numerosas tertulias y discusiones sobre arte, pero no existía manera alguna de teorizar y/o producir, tanto como de canalizar tal información a un nivel más formal. Eso también se extendía al mundo del arte en general¨, señala la artista.
¨Me surgió la idea de que Orificio podía funcionar no sólo para documentar o publicar lo que el artista como colaborador deseara -si censura alguna-, sino para que fuese un espacio de exhibición en sí mismo. En este último caso, era como si la página fuese una pared donde éste podía exhibir su pieza (preferiblemente hecha para su página, a modo de una obra ´site specific´¨, relata López, y agrega que realizó una convocatoria abierta e inclusiva ¨porque creía que debía de romper con el ´claquismo´ del cual adolecían los distintos grupos dentro de la EAP¨.

Al pasar revista sobre el inicio de su proyecto menciona que la convocatoria generó mucho entusiasmo entre la facultad y la entonces decana académica Doris Schnabel logró conseguir fondos para imprimir la publicación. ¨Yo monté las dos primeras ediciones en mi tiempo libre, sin paga; tiraba 500 copias y luego las distribuía entre la comunidad académica gratuitamente. Pero las cosas cambiaron en 2002 durante el proceso de producir una nueva (y tercera) edición, bajo la administración de una nueva Decana académica, quien se oponía al proyecto¨.
¨Lo que sucedió fue lo siguiente: a través del esfuerzo de la entonces directora de Departamento de Imagen y Diseño, Maryanne Hopgood, la administración me había prometido un mejorado auspicio, el cual permitía imprimir 1,000 copias y también ganarme algún dinero por mi esfuerzo. Pero la Decana nos indicó que la Rectora, Marimar Benítez, había indicado (a última hora) que si no se constituía una junta para seleccionar los trabajos sometidos por la facultad, retiraría el auspicio. Naturalmente, eso suscitó varias polémicas. La facultad estaba molesta y, por supuesto, yo me encontré en una encrucijada. El problema más grave que enfrentaba era que ya había hecho la convocatoria y la facultad ya me había entregado sus colaboraciones. Además, tal mandato vino luego que ya casi había concluido la parte del diseño y montaje de la publicación¨, explica López.
Luego, tras no aceptar condiciones impuestas, la EAP le canceló los fondos y eventualmente sus contratos como profesora, y en adelante las ediciones de Orificio estuvieron desvinculadas de la institución académica. A partir de 2003 el proyecto operó de manera totalmente independiente y abierto a la comunidad artística en general y recibió subvenciones del programa de Apoyo a las Artes del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
Propósito cumplido
¨Orificio fortaleció la idea de que era posible hacer y darle continuidad a una publicación de arte de tipo no comercial. También creó un espacio alterno donde los mismos artistas podían publicar su propia producción artística e intelectual. Esto, a mi entender, es un factor muy importante ya que, en el mundo del arte, la voz del artista está canalizada a través del sistema mismo por el historiador, el crítico o el ensayista, además de que entre él y el público media toda una serie de filtros: los coleccionistas y las galerías, así como por las instituciones culturales, educativas y artísticas, o la prensa, etc.¨, destaca López, cuando se le pregunta sobre los logros de Orificio.
¿Qué fue lo más difícil durante todos estos años? La artista menciona la falta de recursos económicos.
¨Para ser honesta, lo difícil del proyecto ha sido realizar todo el trabajo de producción y diseño, promoción, distribución y otros gratuitamente. No obstante, lo más difícil ha sido no haberle podido pagarle nada a los colaboradores. Los artistas tienden a sufrir de un cierto tipo de humillación: todo el mundo quiere algo del artista pero casi nadie quiere pagarle lo que su trabajo vale, después de todo, es un profesional, fue a la Universidad, obtuvo un título y tal… !y allí estaba yo, siempre pidiendo que me hicieran algo de gratis, detrás de ellos, que casi nunca tienen tiempo para nada! En ese sentido, Orificio es un proyecto que ha sido subvencionado principalmente con el amor al arte.¨
Algunos de los artistas que han colaborado con la publicación son Carmen Olmo Terraza, Charles Juhasz-Alvarado, Ana Rosa Rivera Marrero, Maryanne Hopgood, Carlos Fajardo, Kristine Serviá, Teo Freytes y Adal Maldonado, entre muchos otros.
En términos generales López entiende que su proyecto cumplió el propósito de ser un espacio alternativo al ¨oficial¨, tal como lo hicieron previamente otros artistas como Luis Hernández Cruz, Oscar Mestey, Mari Mater O’Neill, Teo Freytes y Javier Martínez, con publicaciones autogestionadas.
¨Entre los artistas mas jóvenes han proliferado numerosas iniciativas propias para publicar o hacer obra tipo publicación o crear proyectos artísticos que generen publicaciones. Un ejemplo de este tipo de iniciativa es Publica, organizada por Kristine Serviá. También muchos artistas emergentes se han dedicado a crear otro tipo de espacios de artistas: galerías, blogs, eventos, etc.¨
Con la sexta edición Orificio llega a su fin. López declara que el tiempo que requiere y el costo de producción (tenía que invertir de su dinero a pesar de los auspicios) la han llevado a tomar esta decisión. Sin embargo, aclara que no le molestaría que otra persona le diese continuidad, ¨siempre y cuando se mantuviese en la misma línea¨.
A dónde se dirige Teresa López
Recientemente la artista se graduó en el Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y El Caribe, donde obtuvo un máster en Estudios Puertorriqueños y ahora se dirige a cursar el doctorado. Dice que contribuirá al mundo del arte desde diferentes iniciativas.
Cuando se le pregunta si está trabajando piezas de arte, de inmediato lanza su respuesta. ¨Siempre, siempre hago obras de arte en mi cabeza o en bocetos, es una fijación, una manera de pensar particular de mi mente, o una neurosis, no sé. En realidad, es lo que me impulsa por el mundo y la única manera que tengo de interpretarlo, de darle un mayor sentido. Pero cuando debo de producirlas (también es una necesidad, como alimentarse) me dedico, por lo pronto, a realizar obra digital, que es la más inmediata, pues con sólo la computadora me basta. Algún día volveré a mis raíces, a la fotografía y a la pintura (ambas son disciplinas que estudié en la universidad) y también a trabajar con la cerámica. Esas tres disciplinas son mis raíces, en cierta manera. Y hay una cierta poética en ellas que el mundo digital no puede replicar.¨
López menciona que se encuentra en momento ¨muy determinante, coyuntural¨ como artista. ¨Se abren nuevos caminos y trato de dilucidar hacia dónde dirigirme. Por lo pronto, me interesa trabajar proyectos de arte y diseño que sean colaborativos y que superen el sistema del arte actual, tan comercializado. Lo que antes se definía como arte ha cambiado tanto y existen tantas y tantas posibilidades creativas que pueden impactar de distintas maneras el entorno que me siento como una niña de 4 años en una tienda de dulces.¨

Las siglas o la suma de dos o tres letras que no necesariamente forman una palabra nos remiten, por lo general, a una compañía, un producto o al código de algún secreto. En tal sentido W&N es la empresa de dos mentes creativas que se complementan para producir ideas artísticas desde el anonimato del código.
En este caso, el junte de letras adquiere personalidad y el trabajo realizado desenmascara a los personajes.
Y ocurre así debido al carácter de la obra hecha, cuando comienza a hablar de sus gestores.
Desde el 2005 Walter Fernández y Nani Alvarez han encontrado en la colaboración su fuerza creadora, al margen de los egos, del lado mercantilista del arte y de las tendencias complacientes.
Al pasar revista sobre lo que ha sido el desempeño de este duo se podría hablar de ¨lo inesperado¨ como una cualidad de su trabajo, tanto en el ámbito de obras creadas como en la conceptualización de otras ideas. Lo mismo realizan arte sonoro; que proponen figuras dibujadas. Lo mismo ponen a flotar un enorme lápiz en la laguna del condado con las palabras implícitas que naufragan (rozando entre lo escultórico y el ¨land-¿water?- art¨); que despliegan pancartas de gran formato para llamar la atención acerca de las tácticas de los adultos para disciplinar o reprimir la infancia.
Igual elevan a rango escultórico un pedazo de carro, o tumban (entiéndase ´dejan reposar´) una cabeza en el suelo en honor a los galeristas ¨caídos¨ que embabucan a los artistas, sobre todo a los más jóvenes.
Procedentes de disciplinas distintas, N estudió educación y W comunicaciones y pintura, decidieron que el arte habría de ser su vía de expresión y su manera de vivir. W aclara que viven del arte porque es lo que hacen; para ganar dinero ya se ocupan de otras tareas.
W&N son parte de una generación de artistas jóvenes que realizan una obra multidisciplinaria y que le apuestan a la labor artística colectiva, amparados en la autogestión.
El duo recibió a El Naufragio de las Palabras en el caserón sanjuanero donde habitan y trabajan, rodeados de sus cuatro gatos, sus libros, sus cuadros e inusuales piezas-objetos.
Para comenzar N opina que cada cual debe ¨crear su propio paradigma con las cosas como son o como deben ser. A nosotros nos preocupa lo que se enseña, lo que se aprende, porque vemos que no hay una visión holística de las cosas -en la Isla-¨.
La educación como concepto transformador y arma poderosa de cambio está presente en gran parte del trabajo de W&N. Pero no es educación panfletaria que promueve una idea con márgenes establecidos. Más bien llaman la atención para que el observador pueda reflexionar y autoeducarse.
Estas propuestas no siempre son del agrado, como ocurrió en Photo Miami hace un par de años cuando presentaron la pieza ¨Methods for obedience¨, que consistió de imágenes en ¨banners¨ de métodos disciplinarios contra niños, como un cocotazo o un correazo. Para este proyecto realizaron entrevistas a adultos en el Viejo San Juan, sobre cómo fueron disciplinados por sus padres.
¨A la gente les molestó lo que había ahí en la imagen¨, comenta N, y aclara que en ese sentido la muestra resultó efectiva porque los espectadores expresaron un sentimiento y eso provocó un comentario.
El proceso creativo de la pareja surge de las ideas que comparten a diario y van depurando hasta que determinan que lo pensado es o no viable y costo efectivo. ¨Estamos todo el tiempo pensando pero no todo se concreta, a veces es pura experimentación con materiales, y a veces lo que seguimos es cómo hacer algo con menos dinero¨, explica W.
Sus creaciones están en la línea del arte conceptual, y utilizan cualquier medio para llevarlas a cabo. N dice que se han concentrado, pero no limitado, a estudiar el arte conceptual de los años 60 y 70 que tuvo su auge en Estados Unidos, y que en la Isla también ha tenido su manifestación a partir de aquellas décadas.
¨Tenemos un interés mayor por el concepto, de cómo proponer y crear algo, más que por la mera cosa estética¨, indica N.
Ya sea una imagen apropiada o creada, o el uso de cualquier material, como un pedazo de tuvo PVC, cobra significado en las manos de W&N, quienes logran desentrañarle todas sus posibilidades. Con esto logran conferirle a la pieza o el objeto (o el material empleado) un lenguaje distinto enmarcado en un contexto socio-político. Lenguaje que por lo general es crítico e irónico, muy propio del arte conceptual.
Hasta ahora no han realizado exposiciones en solitario como W&N y han preferido laborar en colectivos en Puerto Rico y Estados Unidos, aunque reconocen que no siempre resulta más fácil.
¨El trabajo de colaboración es sumamente difícil, tienes que ceder más. Al final la idea prevalece pero cambia el medio o cómo llegar a eso que buscas¨, destacan ambos.
Lo primero que hicieron juntos fue un performance durante una premiación del polémico certamen de arte del Museo de Arte Contemporáneo en 2005. Allí invadieron el espacio disfrazados, cargaron cornetas, pitos y explotaron petardos para dramatizar la fanfarria de los eventos plásticos cuando se transforman en espectáculos de falsas adulaciones, pasarela y brilloteo.
Respecto a la escena local del arte coinciden en que hay de todo y buenos trabajos. E insisten en apostarle a la autogestión alejados de los controles de las galerías y los mecenas, lo cual les permite mayor originalidad. Según W, las galerias locales se han quedado rezagadas en su trabajo con el desarrollo de sus representados y, en parte, esto se nota con las participaciones de artistas locales en eventos internacionales donde van como parte de proyectos y no como invitados de galerias de la Isla necesariamente.
En lo referente a la ¨crisis económica mundial¨ y su impacto en el arte joven sostienen que no les afecta como artistas ya que no tienen como propósito principal la venta de sus obras. ¨Ese interés no existe. El arte no está hecho para venderse¨, destaca W.
En Internet han creado el espacio REPUESTO donde documentan el trabajo plástico contemporáneo en la Isla y divulgan proyectos creativos, como parte de su filosofía de la autogestión.
Muy pronto W&N se convertirán en padres lo que sin duda les traerá otra visión de mundo que se reflejará en el trabajo que realicen en adelante. Después de todo la preocupación por la niñez siempre ha estado rondando sus propuestas.

NOTA: Esta es la primera de diez entregas de conversaciones con artistas contemporáneos multidiscplinarios que conforman la nueva escena del arte en Puerto Rico. Se trata de artistas emergentes con cierta trayectoria y que experimentan con diversos medios para crear su propio lenguaje creativo. Con este proyecto se intenta mostrar parte del trabajo artístico que se realiza en el Puerto Rico de hoy a pesar de la ausencia de apoyo -en la mayoría de los casos- de las instituciones oficialistas que pretenden validar lo que es o no es arte, o quien es o no es artista en la Isla.

Que sigan los cuentos de Elsa María
La primera palabra que llegó a mi mente cuando vi por primera vez una pieza de la artista Elsa María Meléndez fue ¨Fábula¨. Al encuentro con los nuevos trabajos de su actual exposición ¨Los cuentos que no me hizo mi abuela¨, en la Galería 356 en Hato Rey, repetí en mi cabeza la misma palabra.
Según el diccionario de la Real Academia Española, fábula significa ¨Breve relato ficticio, en prosa o verso, con intención didáctica frecuentemente manifestada en una moraleja final, y en el que pueden intervenir personas, animales y otros seres animados o inanimados¨.
Tras un recorrido la noche de la apertura (confieso que no me gusta apreciar obras las noches de aperturas porque hay otras distracciones), pude sustraer el relato de las piezas, donde subyace el elemento didáctico -no importa que sea o no la intención de la artista-, y observé la presencia de personajes humanos, animales y la mezcla de ambos, ¨animados e inanimados¨.
Pero, ¿se tratan las obras de fábulas concadenadas? Es la reinvención -metamorfosis- de cuentos, como apunta Lilliana Ramos en su ensayo de la exposición. Es la versión tajante de los cuentos contados. La artista subvierte la tradición.
Hay poesía en esos relatos (imágenes, escenas, instalaciones, construcciones). Sobre todo en ¨De la memoria: la quimera de un despojo¨, una instalación que se vale de la serigrafía sobre tela y un armario para recrear la salida de una bandada de aves del añejo ¨chiforobis¨ de la abuela que narra historias. Mientras el espectador se pasea por la instalación de aves traperas colgando del techo, que además incluye ratas de tela y retazos de telas por todo el suelo, y se encuentra con su rostro en los espejos de las puertas de los armarios, también se convierte en personaje del cuento. Personaje transeúnte que llega, husmea y sale con la bandada.
Se repite la poesía en ¨La última vuelta¨, una pieza colaborativa en la que Elsa María presenta una caja armario (realizada por el artista Jorge ´Rito´ Cordero), en cuyo interior una bailarina desnuda -de tela- gira mientras se agota la música (compuesta por el artista Claudio Chea). La figura de la mujer es central en el trabajo de la artista.
En esta muestra ella nos presenta nuevamente historias encapsuladas en cajas acrílicas con personajes que flotan y que podemos escrutar a la redonda -o al cuadrado-, hay trabajo gráfico sobre papel, tela y otros materiales, y sobresale la pieza de vídeo animación ¨A veces entra en el bosque¨, realizada en colaboración con el artista Teo Freytes, metáfora de la metamorfosis planteada por Elsa María.
Elsa María Meléndez ha logrado un lenguaje creativo particular y distintivo, repleto de humor e ironía, que nos deja con el deseo de conocer más y nuevas historias. Se me antoja entrar a una de esas cajas acrílicas y pasearme entre sus personajes con mi tamaño, de tu a tu.
Vaya un espaldarazo para Galería 356 por proveer siempre un espacio para el arte no tradicional. Sólo una observación: la identificación de las piezas deben aumentar de tamaño y encontrar una altura más cómoda para lograr su lectura.

Una brisa repentina, el respeto y el arte
Una brisa repentina, no muy cálida, nos acarició un rato. Chocó de lado a lado, y se desvaneció. ¨Que no pasa nada¨, como dicen los españoles.
Eso, justo eso, fue lo que ocurrió con el anuncio no tan anuncio del Museo de Arte Contemporáneo. Se perdió un momento histórico de hacer la diferencia, de unir propósitos y fijar la vista por encima del ahora. Al final del día, casi -y utilizo ´casi´ por aquello de parecer justo- huele a burla.
Desde pequeños nos enseñan lo que es el respeto. Primero en la casa, luego en la escuela, en el equipo de deporte, en la iglesia, hasta los partidos políticos nos hablan de respeto. En la Universidad se plantean más profundamente los valores y todas esas cosas. Pero llegamos a la adultez y parecería que todos nos engañan, nos toman el pelo y en realidad aquello del repeto no era más que una estrategia de dominación, de sometimiento a la obediencia, de tapaboca justificado. Ley y orden.
Bueno, luego escuchamos a los protagonistas de esta novela de las artes referirse a palabras como ¨apertura¨, ¨el museo de los jóvenes¨, ¨espacio para todas las tendencias¨, un poco más y de repente casi (vuelvo con el casi) estamos a punto de escuchar la promesa-slogan ¨lo mejor está por venir¨.
Pero me pregunto, ¿es que nadie les dijo que decenas y decenas firmaron una carta de reclamos válidos? ¿nadie les dijo que los firmantes eran artistas jóvenes, no tan jóvenes y viejos, emergentes, no tan emergentes y establecidos? ¿nadie les dijo que el DIALOGO es un acto de civismo?
La historia de espacios cerrados, de clubes, de los unos y los otros, de tu aquí y yo allá, es cosa del pasado. El futuro -que es ya- es inclusivo, es colectivo, de tu a tu. Se acabó el ¨monolinguismo¨.
Por lo pronto, sigo creyendo en el respeto. Respeto sin sometimiento y sin tapabocas, como debe ser el arte.

¿Llegarán los nuevos vientos al MAC?

Ya es un hecho la renuncia de María Emilia Somoza a la cabeza del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), tal y como lo adelantara el Box Score y como reseñara el Vocero la semana pasada.

Las instituciones cumplen unos ciclos como parte de su proceso ordinario de desarrollo y todo tiene su fin. En un principio se trata de gestas titánicas para levantar de la nada una entidad con propósitos generalmente nobles. Y entonces somos muchos los que ponemos nuestras esperanzas y confianza en que esas organizaciones funcionen y rindan un servicio social, en este caso a las artes.

En el camino pueden y pasan mil cosas, aciertos y desaciertos. Logros, frustraciones.

Pero de todo se aprende, esa es la bondad de la historia si es que la sabemos aprovechar.

Hay que reconocer, en el caso de Somoza, sus esfuerzos, sus gestiones y el logro de crear el MAC junto a otras personas comprometidas. No obstante, la continuidad nunca ha sido buena en ningún aspecto, sobre todo en una institución que se supone reconozca y promueva el cambio en la escena plástica.

Como País sufrimos de ese mal del continuismo. Siempre son los mismos los que están al frente de todo y luego queremos que la Isla avance. ¿Pero hacia dónde? Las ideas recicladas, las costumbres repetidas, los mismos complejos. LOS BURÓCRATAS.

Con frecuencia he visitado el MAC, y en más de una ocasión supe esperar hasta una hora por eventos anuciados a los cuales no respondían sólo un par de personas. Y lo digo literalmente porque una vez había una conferencia y el público presente eran una estudiante de arte de la UPR y yo. Estas cosas ya van dando avisos de que algo está mal, de que hace falta un cambio, de que hay que buscar nuevas formas de hacer las cosas.

De seguro que este proceso de ¨crisis¨ en el MAC ha sido doloroso en más de una dirección. Para Somoza, para sus empleados, para sus amigos. También para los artistas que han tocado la puerta para buscar un espacio de expresión de lo que se esperaba era el lugar disponible para ello, y no fue así.

Tal vez el techo de cristal del MAC ha reducido las corrientes de aire por el edificio ¨aladrillado¨, pero sólo basta un hueco para que entre aunque sea un hilo de aire.

Es el momento para un reclamo serio y sobrio por parte de todos para que haya un proceso renovador y justo, pero un verdadero cambio. Y todos tenemos derecho a eso porque La Labra es de todos, y el MAC con sus fondos públicos también es de todos.

De lo contrario, -y si no pasa nada- continuará el esfuerzo mano a mano de artistas para echar hacia adelante sus nuevas ideas desde el lugar que sea, bajo techo, bajo el sol, en la acera, bajo un árbol o una carpa.

Que no se repita nuestra historia colonial de reconquistas. Que no vengan los otros y las otras, que venga gente nueva de verdad. Es hora de un pie al frente.