Desde la diáspora con Esteban Figueroa: Del infierno, el purgatorio y el paraíso

BUENOS AIRES, Argentina - En el suntuoso vestíbulo del Hotel Emperador está sentado Esteban Figueroa. Está quieto. Sin embargo, tras el saludo y la presentación no deja de hablar y moverse, sobre todo moverse. El artista puertorriqueño -o niuyorican, que importan las etiquetas- habla con todo su cuerpo mientras va de una idea a otra, y a otra y a otra.

Es espigado, lleva una canosa cola de caballo e indistintamente habla español e inglés. El encuentro con El Naufragio de las Palabras estaba pautado para un breve relato sobre su estadía en la ciudad porteña y conocer de sus proyectos recientes. Al final, la amena conversación se extendió más de lo pronosticado, pero no lo suficiente frente a un artista de muchas historias y un proyecto de envergadura.

Este año Figueroa podría regresar a la Isla con su trabajo más reciente que le supondrá presentaciones en Buenos Aires, Madrid y San Juan, tres ciudades que integran la propuesta visual que recrea su visión del infierno, el purgatorio y el paraíso, basado en la Divina Comedia de Dante Alighieri.

El trabajo, según explica, consiste de una muestra fotográfica que partirá desde el Palacio Barolo en Buenos Aires, con la cual pretende explorar ¨de forma aguda y crítica¨ al ser humano y su destino. Figuras humanas desprovistas de vestiduras que revelan hasta sus entrañas son parte fundamental de esa exploración colectiva.

Figueroa combina la imagen desde la estética de la vieja escuela, pero a través de la tecnología actual, para presentar un trabajo fotográfico digital que evoca las texturas y la luz de Caravaggio y de artistas como el Bosco, Botticelli, Velásquez y Goya. Lo denomina "pintura digital".

Destaca que  elabora las imágenes a partir de una referencia pictórica y por eso el espectador podría pensar que se encuentra ante pinturas.

El artista trabaja inicialmente con figuras reales que retrata sobre los techos de la ciudad para lograr cierta cercanía al cielo, y lo hace en horas nocturnas. Luego construye digitalmente los espacios o escenarios donde pululan esas figuras desnudas.

Explica que en esos escenarios aparecen  sogas o  agua, ¨como metáforas, que enlazan o mojan los cuerpos, anunciando la lucha eterna contenida en cada ser por liberarse o purificarse, a fin de cuentas… intentando evidenciar la tensión del hombre con su propia fe¨.

Resalta los símbolos religiosos mediante  crucifijos y altares, que generan un espacio que desconcierta al espectador y lo transporta al mundo imaginado por el artista. Lo define como ¨el infierno de cada hombre¨.

Cuando se abraza al tema del infierno, lo hace  desde una intención ¨humanista¨ para excarvar en  la necesidad de revivir la fe sobre las instituciones tradicionales como la iglesia, el estado y la sociedad. Indaga en la muerte en un sentido filosófico, pero dentro de un “proyecto de vida”.

El Infierno comenzará en el Palacio Barolo en Buenos Aires, luego transcurrirá el Purgatorio en San Juan y llegará al Paraíso en Madrid.

El Palacio Barolo fue propiedad del productor agropecuario Luis Barol, quien arribó a la Argentina en 1890. Éste contrató al arquitecto Mario Palanti  para realizar la estructura que tenía en su mente. Figueroa menciona que Palanti, quein era un apasionado de La Divina Comedia, decidió llenar el palacio con referencias a la obra.

Por ejemplo, la división general del palacio está en tres partes, mientras las nueve bóvedas representan los nueve pasos de iniciación y las nueve jerarquías infernales. Además, su altura es de 100 metros y son 100 los cantos de la obra de Dante, entre otras referencias.

Cada presentación consistirá de 20 imágenes de gran formato acompañadas de talleres en cada lugar, cuyo resultado se habrá de incorporar a la muestra.

El proceso de captar las imágenes estará influenciado por la formación teatral de Figueroa, quien utilizará la metodología del teatro del oprimido para conseguir que cada uno de sus modelos -que serán personas comunes de la calle- logren sacar  “un carácter único asociado a un personaje siniestro el cual habita en el infierno de cada persona¨.

Con este proyecto el artista hace un reconocimiento a la obra de Dante, pero también busca  conectar a los espectadores con la realidad actual y acercar  las nuevas tecnologías al arte clásico. Y sobre todo la exploración interna del infierno de cada cual.

CONVOCATORIA: Abrazo caribeño por Haití

El Comité Pro Niñez Dominico Haitiana, una organización puertorriqueña que lleva casi una década haciendo trabajo educativo y humanitario en la frontera entre Haití y República Dominicana, y La Respuesta convocan a los artistas visuales a unirse en solidaridad con el pueblo haitiano. Abrazo caribeño por Haití reunirá a un extenso grupo de músicos, teatreros, performeros y artistas visuales con el fin de recaudar fondos para nuestros hermanos y hermanas haitianas. Entre los artistas confirmados se encuentran, Tego Calderón y sus Majaderos, Mima,  Awilda Sterling, Y no había luz, Calle 13, Gisela Rosario, Abey Charrón, Teatro Breve, entre muchos otros.

Extendemos una invitación a todos/as los artistas visuales a donar una pieza (en cualquier medio, tamaño y valor) la cual estará a la venta durante la actividad. Todo lo recaudado será canalizado a través del Comité Pro Niñez Dominico Haitiana. Las piezas no vendidas pasarán a formar parte de un catálogo digital que se distribuirá entre posibles compradores.

Las piezas se estarán recibiendo el jueves, 21 de enero a partir de las 12:oo del mediodía en el local de La Respuesta, Ave. Fernández Juncos esquina Calle del Parque, en Santurce. El horario está aún por confirmarse. El evento multidisciplinario de recaudación de fondos para el pueblo haitiano será en La Respuesta los días 22 y 23 de enero de 2010

Para más información del proyecto y la convocatoria pueden comunicarse con Vanessa Hernández Gracia al 787 412-9498, Melissa Sarthou al 787 307-4686, con el Comité Pro Niñez Dominico Haitiana al 787 361-8383, o a través del correo electrónico: vanessahernandezgracia@gmail.com Además, más información en el blog: http://abrazocaribeno.wordpress.com/

Año de retos

Desde El Naufragio de las Palabras le extendemos una felicitación y un fuerte abrazo a todos y todas los que han patrocinado este espacio, que de alguna manera intenta producir cierta documentación sobre el arte en Puerto Rico y desarrollar proyectos editoriales.

El 2009 ha sido un año de muchos retos, y sobre todo de muchos ataques a la cultura. El 2010 se perfila como un año más intenso, que de seguro demandará de todos nosotros grandes sacrificios.

En este espacio intentaremos seguir contribuyendo  con un grano de arena junto a los compañeros y compañeras de otros espacios, que igualmente sienten el compromiso de proponer alternativas para lograr una escena del arte más plural, más democrática y más ética.

Como siempre, están bienvenidas las colaboraciones y preocupaciones de todos nuestros lectores, y esperamos que en el 2010 podamos -a pesar de las circunstancias, o precisamente debido a ellas- ofrecer un trabajo de interés y calidad para todos.

Sigamos en marcha. 

¿Reinvención del MAP?

Como parte del ciclo de conversatorios que realiza el Museo de Arte de Ponce (MAP), en su sede en Plaza Las Américas, se celebró recientemente ¨Encuentro de artistas: uniendo espacio, tiempo y vida¨.
El MAP busca impulsar un diálogo sobre cómo replantear su colección de arte (compuesta principalmente por arte europeo, en específico arte Barroco y del siglo XIX) y la inclusión de más expresiones plásticas realizadas por artistas puertorriqueños. Además, la curadora del MAP, Cheryl Hartup le pidió a los panelistas que hablaran acerca de cuáles habían sido las iniciativas más destacadas para impulsar el arte contemporáneo en la Isla durante los últimos cinco años.
En el panel se presentaron el artista y fundador del espacio alternativo LA 15, Jose Jorge Román, y los artistas Marta Mabel Pérez, Carmelo Sobrino, Omar Obdulio Peña Forty y Héctor Médez Caratini.
Román propuso un análisis del trabajo de la cosecha más reciente de artistas contemporáneos y su obra y realizar una selección. La idea es que pueda establecerse un contraste entre la colección clásica del museo y las nuevas expresiones para el disfrute de los visistantes, para que puedan entender los cambios estilísticos y la variedad de propuestas a través de la historia lejana y reciente.
Pérez, por su parte, dijo que le gustaría ver un diálogo entre obras de diferentes periodos -incluyendo los trabajos contemporáneos de Puerto Rico- en una misma sala.
Sobrino elogió la labor del MAP y Méndez Caratini realizó un recuento autobiográfico de su obra.
A la pregunta de Hartup, Peña Forty señaló que la iniciativa más destacada de los últimos cinco años ha sido la autogestión y el junte entre generaciones de artistas. Se refería a proyectos como =DESTO, del cual fue fundador junto a otros artistas, y AREA en Caguas, entre otros.
Román coincidió en que la autogestión ha sido la estrategia de las nuevas generaciones para dar a conocer su arte sin la necesidad inmediata de los sectores tradicionales del arte. También mencionó el rol desempeñado por los espacios cibernéticos y los blogs, como agentes activos en la discusión de asuntos relevantes relacionados a las artes plásticas y la cultura, la documentación y la promoción del arte contemporáneo.
Pérez resaltó la feria de arte Circa y la promoción internacional del arte de Puerto Rico, como iniciativa positiva de los últimos años. Y habló del cambio de dirección en el Museo de Arte Contemporáneo.
Mientras, Sobrino comentó que el registro de artistas e información relacionada a las artes en la página cibernética El Status, desarrollado por Lisa Ladner, ha sido positivo, al igual que los diferentes proyectos de autogestión impulsados por Ladner como El Pulguero de los Artistas, la Feria de Arte Sonoro y los recientes ciclos de exposiciones fotográficas en Casa Aboy.
Al concluir las ponencias de los artistas, Arlette de la Serna, curadora asistente del MAP, dijo que para la institución que representa es importante desarrollar los conversatorios para establecer un diálogo directo con la comunidad artística y el público, y poder desarrollar la nueva visión del museo. ¨Nosotros queremos dar un paso más y mostrar el arte puertorriqueño y darle su importancia¨, expresó De la Serna.
Miembros del público -cerca de 40 personas-, plantearon la posibilidad de que el espacio temporero del MAP en Plaza Las Américas continúe en operaciones, pero Hartup mencionó que eso se está evaluando, ya que conlleva otros gastos y personal. De la Serna reiteró la importancia de salir del área metropolitana donde también se puede ver arte.
La artista Myrna Báez estuvo presente y abogó por más exposiciones individuales de artistas y no colectivas. Sostuvo que es necesario presentar trabajo en solitario de artistas para conocer mejor su obra.
Próximamente se realizarán otros conversatorios, previos a la reinauguración del MAP pautada para el próximo año.
En mi opinión…
El MAP habrá de reinstalar su colección de arte, que abarca distintos periodos y escuelas pictóricas. Y le interesa posicionar el arte realizado por artistas puertorriqueños para ¨darle su importancia¨. Hablar de una sala dedicada al arte local, resultaría en una sala más. Pero esa no parece ser la idea contemplada por el MAP.
Bien podrían cuestionar algunos -o muchos- el que no se mantenga la distancia entre escuelas pictóricas y se impulse un ¨maridaje¨ (por llamarle de algún modo) entre piezas barrocas y pinturas, objetos, artefactos o instalaciones de este tiempo, sin dejar atras el video arte o piezas sonoras.
Si cada vez hablamos más de globalización -nos guste o no-, de convergencia, de la pluralidad, entonces el arte como expresión de un tiempo, igual no está ajeno a esto. Después de todo, siempre habrá una referencia, por mínima que sea, a la historia del arte. Y en ese sentido, claro que pueden convivir piezas de distintos periodos, claro que se pueden acompañar obras del ayer con nuevas manifestaciones artíticas. Eso ya está superado. ¿Cómo lograrlo? Esa es la tarea para nada sencilla que tienen por delante Hartup y De la Serna con la reinstalación de la colección del MAP. Esperemos una lectura diferente, de riesgos y llena de nuevas posibilidades en el MAP. El presente lo demanda.

Entrevista a Henrik Hedinge

Performance ¨Me siento un poco LesBiGayTrans¨, en Planta Alta Galería en Asunción, Paraguay, 2009. Foto por Laura Mandelik

¿Quién es Henrik Hedinge?
El artista sueco Henrik Hedinge se prepara para continuar con su compilatorio de escritos sobre el performance por varias ciudades latinoamericanas y algunas en Europa, para difundir las expresiones de artistas de diferentes partes del mundo.
Pero, ¿quién este joven artista que ha encontrado en ciudades latinoamericanas la fuente de inspiración para muchos de sus trabajos?
Tras incluir en su proyecto Performance de Cartón, uno de los escritos del proyecto ¨10CONTEMPO¨, en específico la historia sobre el trabajo del artista puertorriqueño del performance Rafael Vargas Bernard, EL Naufragio de las Palabras entrevistó a Hedinge acerca de su trabajo.
Hedinge, quien nació en la provincia de Östergötland, en la ciudad de Mjölby en Suecia y pasó tres años en una universidad de arte en Inglaterra antes de decidir viajar a Latinoamérica, explica que todo comenzó a partir de un viaje a Costa Rica en 2002.
Pero la conexión concreta con el arte en este lado del mundo tomó forma desde su país, en donde participó en conferencias sobre el performance colombiano y dominicano en 2007. Luego visitó una feria de arte alternativo en Bogotá, Colombia, donde se contactó con representantes del proyecto Harte Espacio -con sede en Montevideo, Chile- y posteriormente con Planta Alta Galería en Asunción, Paraguay, con el propósito de realizar proyectos colaborativos. Así comenzó a establecer vínculos con diferentes personas y también llegó hasta Paraguay donde conoció el proyecto de Felícita Cartonera (una editorial comunitaria que realiza libros con cartones), a través del escritor y editor paraguayo Cristino Bogado.
Es entonces cuando comienza a darle forma a la idea de recopilar escritos sobre el performance realizados en diferentes países y lanza una convocatoria abierta en Internet. De los escritos recibidos realizó la selección que finalmente incluyó en el libro artesanal ¨Performance de cartón¨, presentado en la pasada feria del libro en Asunción, Paraguay.
¨Yo había comenzado a trabajar con Planta Alta Galería ofreciendo charlas y vídeo proyecciones de performance y haciendo algún performance pequeño. Y pensé en las distintas formas de performance y lo interesante que podría ser realizar un proyecto colaborativo y así junto a Cristino comenzamos a buscar textos y aquí estamos¨, relata.
Explica que ya desde que estudiaba en Inglaterra tenía un interés particular por la cultura latina y buscaba información sobre el performance en español, idioma que ha estado aprendiendo poco a poco desde su primer viaje a Costa Rica. ¨Encontré artistas de performance en Myspace y Facebook en México y Colombia con los cuales comencé a colaborar hasta que un festival de performance en Caracas me invitó en septiembre 2008. Y desde entonces todavía sigo aquí en Latinoamérica¨.
Sus inicios en el performance comenzaron con la documentación ¨en el jardín de mi madre, donde yo estaba cortando un árbol y tomando fotos del resultado, alrededor de 2001¨. En adelante siguió experimentando con el medio, y al principio dice que mezclaba la poesía con elementos del performance, e intentaba comunicar mediante esta manifestación artística lo que no conseguía transmitir unicamente con el lenguaje oral o escrito.
A la hora de hacer una presentación asgura que hay mucha preparación antes y después que inicia el performance ¨porque lo debes adaptar a los condiciones del momento, el espacio, el público, el co-performer, el clima, los objetos¨.
Su proceso creativo comienza con la escritura. ¨Escribo todo. Escribo, leo, dibujo. Experimento en todas las direcciones para encontrar lo que es interesante en el momento. A veces los performances nacen de otros performances. Por el momento con todos los proyectos de talleres y publicaciones estoy realizando muy pocos performances, por eso el proceso ahora es más reflexión. Probando métodos de escritura creativa, intervenciones de fotos, diseños digitales¨.
Entre los temas que aborda, antes mezclaba temas culturales -provinciales y nacionales-, pero al llegar a Latinoamérica ¨comencé a trabajar con temas más relacionados a la cultura popular global, como estereotipos de Hollywood y CNN. Llegando a algunos temas más violentos y sexuales, y psicológicos. Más recientemente estoy involucrado en charlas sobre mi obra e incluyo algunos experimentos performáticos y realizo trabajos curatoriales¨.
Asegura que su interés es crear diálogos y discusiones. ¨Discusiones dentro de mi mismo. Entre el público y yo. O dentro el público. Quiero aprender más de mi mismo y del público. Es como un ciclo sin fin¨.
¨Veo el discurso o la discusión como algo más importante que la obra. La obra es sólo un catalizador para llegar al discurso o la discusión. Por eso es necesario pasar más límites personales, o límites del evento, el espacio, la institución. Siempre cambiando en diferentes direcciones para pensar en lo que será lo más interesante en una situación o contexto¨, añade el artista.
Mientras estudiaba, sus referentes eran Matthew Barney, principalmente la conceptualización de sus trabajos y sus métodos visuales, y Paul McCharty, entre otros. Ahora comenta que admira diferentes aspectos de muchos artistas, que pueden o no influenciar su trabajo.
Y mientras sigue con sus charlas y performances, y con su libro cartonero, destaca que tiene muchas ideas y proyectos que espera llevarlos a cabo. ¨Hay muchas ideas y propuestas, vamos a ver qué pasa¨.

Relato y opinión sobre ¨Encuentro con los Blogs de arte¨

CLIC
Desde Berlín se escuchan voces que saludan. Rompen el hielo a través de una pantalla al fondo del salón. Les sigue otra voz que proviene de Chicago, reconocida por punzante, pero esta vez sosegada, aunque siempre firme. Otros tres saludan y hablan desde la mesa del frente. Un nutrido grupo de personas, los muchos sentados, tantos otros de pie, están atentos.
Todos hablan de cómo se iniciaron en eso de colocar textos, fotografías y videos en un espacio que se ve, que está en el aire y que podemos capturar cuando nos venga en gana y ahí estará siempre aguardando por nosotros. Son espacios embrionarios, la mayoría de estos gatean, mientras algunos rozan la pubertad.
Todavía falta mucho camino por andar, pero lo transitado ha rendido frutos. Uno sigue al otro, y al otro, y al otro, y la cadena no se quiebra. Ya varios se han reinventado y los que aún no la han hecho tendrán su turno. La consigna es una: Poner sobre cubierta la escena local del arte contemporáneo.
La artista de La Capilla modera el encuentro de voces y personajes, al tiempo que ciertas interrogantes o planteamientos igual encuentran su espacio. El ambiente es cálido -incluso afectuoso-. Hasta un niño de algunos meses se expresa a sus anchas y a nadie le molesta. Una criatura mucho más grande igual se expresa a sus anchas y transforma lo cálido en ataque ardiente. Pronto se apaga.
La pantalla del fondo sigue iluminada, los tres sentados sonrien, la de La Capilla agradece la comparescencia. Al principio la Curadora ha dado la bienvenida, la Curadora Asistente se ha referido a la historia cercana y a los futuros cambios. Al final, el Director está complacido, se adueña del micrófono y la temperatura es otra vez agradable.
En el aire siguen flotando muchas cosas por descubrir, a la espera de un simple CLIC.
Leyenda:
El Salón - Museo de Arte de Ponce
Voces desde Berlín - Lilliam Nieves y Arnaldo Román (TRANCE LIQUIDO)
Voz desde Chicago - Pedro Velez (BOX SCORE)
Los Tres Sentados - Javier Martínez (AUTOGIRO)
Walter ¨Tito¨ Fernández (REPUESTO)
Carlos Antonio Otero (EL NAUFRAGIO DE LAS PALABRAS)
La Capilla - Carmen Olmo Terrasa (DONDE VEO ARTE)
La Curadora - Cheryl Hartup (Curadora MAP)
La Curadora Asistente - María Arlette de la Serna (Curadora asistente MAP)
El Niño - El hijo de Tito Fernández y Nani Alvarez (W/N)
La Criatura más grande - Sylvia Villafañe
El Director - Agustín Arteaga (Director MAP)
Los Muchos Sentados, Tantos Otros de Pie - Artistas, amigos, amantes del arte.
Para la historia completa acceda http://www.ustream.tv/recorded/1938648

En mi opinión…
El ¨Encuentro con los blogs de arte en Puerto Rico¨ resultó una iniciativa positiva para difundir el trabajo que por años realizan los artistas para documentar la historia contemporánea del arte en la Isla. En ese sentido, es necesario felicitar al Director del Museo de Arte de Ponce (MAP), Agustín Arteaga, a la Curadora Cheryl Hartup y a la Curadora asistente María Arlette de la Serna, por el esfuerzo que propició dicho diálogo.
En cuanto al contenido, es importante destacar que se trató de un encuentro informal para compartir la existencia de unos espacios que realizan el trabajo que otros dejaron de hacer hace mucho tiempo. Los blogs son espacios informales los cuales son adaptados según los intereses de sus creadores. Por eso la variedad de tono. Tal vez, los que ya conocen tales espacios no encontraron a simple vista nada nuevo en el encuentro, pero los que no estaban familiarizados tuvieron cierto acercamiento y eso es positivo.
Por supuesto que una discusión más amplia y unos temas más detallados le imparten a la ocasión otra formalidad y una mayor cohesión de las ideas. Sin embargo, aunque cortas, se plantearon ideas sobre la existencia de los blogs, su funcionamiento y propósito, y en cierto sentido sobre las aspiraciones de una escena democratizada.
La parte final del encuentro, tiene dos vertientes. Por un lado, resultó en un ejercicio de la libertad de expresión de Sylvia Villafañe, esa libertad que todos aseguramos defender y que reclamamos. Eso es independientemente de que no compartamos la motivación, la expresión y el momento. Por el otro lado, resultó un acto demostrativo de las diferencias entre la visión de arte entre dos sectores. Uno que lo defiende en principio como objeto mercadeable, al margen de consideraciones conceptuales, estéticas, creativas, referenciales, históricas, entre otras. Y otro que busca destacar procesos creativos, la concepción de la obra, el transfondo de los artistas , la comunicación de ideas, la manera de abordar temas y la importancia para el desarrollo del arte realizado desde aquí.
Igual quedó demostrado, las acciones de influencia y de poder cuando no se está de acuerdo con aquello que no es afín a nuestros intereses.
Entonces, es doblemente plausible la enteresa de la directiva del MAP de no amilanarse ante reclamos de control de un sector -o una persona-, el que fuera. En otros espacios, la historia hubiese sido distinta, en esos lugares tan dados a la complacencia y el amiguismo. Por lo tanto, el incidente habla por sí solo en muchas direcciones y lo que podamos desentrañar del entrelíneas, o sobre las líneas, es revelador e importante.
En cuanto a lo que se hace o no se hace en los blogs, a mi me resulta insostenible el que se pretenda que un espacio sea de una manera u otra, a semejanza de lo que nos agrade como lector. Para eso están las opciones, para seleccionar lo que nos agrade o llene nuestras expectativas, y lo que no, pues no lo vemos. Que sean formales, informales, que tengan sólo texto, sólo fotos, sólo vídeo, que sean cursi, poéticos, blasfemos, lo que sea. Las posibilidades son infinitas, y como decía Teo Freytes, el valor de la individualidad es fundamental. Estos blogs no son productos de consumo ¨self service¨ que podemos adaptar a nuestros gustos. Son para compartir información, imágenes, ideas, preocupaciones, incidencias. En el camino se convierten en documentación de un momento, de una experiencia.
Karla Marie Ostolaza, de la Asociación de Estudiantes de Historia del Arte de la Universiad de Puerto Rico, planteaba la necesidad en los blogs de una información más profunda y más formal, sobre el arte. Me parece bien, pero eso puede ser un nicho que bien pueden llenar precisamente los estudiantes de la asociación. De hecho, visito constantemente el espacio de éstos, HARTE, y quisiera ver más críticas desde la óptica de jóvenes formados en historia del arte y de la propia Karla Marie, quien es una joven inteligente, con iniciativa y escribe muy bien.
En definitiva, la experiencia del primer encuentro de los blogs me resultó positiva, y como ha dicho Javier Martínez, debe haber una segunda ocasión. Si puede ser en el MAP, enhorabuena, si no, lo podemos propiciar de igual manera y ser nosotros los anfitriones.
Una vez más, gracias a Hartup, a De la Serna y al Director Arteaga por convidarnos a este diálogo.

Entrevista Lisa Ladner

Lisa Ladner: la antítesis al ¨no se puede¨
Desde que comenzó su proyecto en línea ¨el-status¨ hace algunos años, el nombre de Lisa Ladner resulta cada vez más famliar entre la comunidad artística en Puerto Rico. Detrás de ese nombre poco criollo descubrimos a una puertorriqueña de madre boricua y padre suizo, quien se ha criado en Suiza, y viaja con frecuencia a la Isla.
Ladner -con mucha maña y sin el ´ay bendito´- ha desarrollado importantes eventos culturales en Puerto Rico, sin ayuda gubernamental y con auspicios limitados, demostrándole a las inamovibles instituciones en la Isla lo que se puede lograr cuando las personas deciden no quedarse de brazos cruzados.
Además del registro de artistas más extenso que exista aquí, en abril de 2008 Ladner realizó el primer Pulguero de los Artistas, un mercado informal de arte contemporáneo al margen de las galerías, curadores y toda la escena oficialista del arte local. Meses más tarde organizó junto a los artistas Jorge Castro y Omar Obdulio Peña Forty la primera Feria de Arte Sonoro (FAS), que estableció diálogos y discusiones acerca de esta manifestación, todavía no bien vista por muchos allegados al arte.
En 2009 repitió el Pulguero de los Artistas y próximamente organizará la segunda edición de FAS, que deberá realizarse a partir de abril de 2010 en el Museo de Arte Contemporáneo en Santurce.
Ladner -quien vive la mayor parte del tiempo en Suiza- también ha organizado un ciclo de exposiciones en la Casa Aboy, para ayudar a rescatar una institución anquilosada y promover la fotografía como medio artístico. En la tercera fase de ese ciclo que inició este año, conoceremos a Ladner en otra faceta como fotógrafa.

Lisa Ladner durante receso en el Pulguero 08, junto a amigas coleccionistas
De todos estos asuntos conversó Ladner con El Naufragio de las Palabras, compartió experiencias y sin pretensiones de experta realizó recomendaciones para activar el arte y la cultura en la Isla.
¨De las actividades pasadas aprendí mucho sobre el arte y el mercado local, el gusto del público, los problemas cotidianos, bregar con los medios, las agencias. Me parece curioso que muchos artistas hacen promesas y luego no cumplen, que tienen miedo de arriesgarse, que creen que todo debe ser gratis. Gracias a Dios no todos... además cada actividad generaba historias positivas: artistas que encontraron galerías, coleccionistas y curadores que conectaban con artistas. A través de los medios pude lanzar temas relevantes para la sociedad boricua. Para mi, eso y los muchos lindos encuentros fueron una recompensa por los muchos meses de trabajo voluntario¨, relata de entrada Ladner, al evaluar el resultado de los eventos organizados durante 2008 y 2009.
Opina que ante la situación económica actual ¨todo ha cambiado¨ y los artistas deben asumir tales cambios. ¨Veo que les cuesta a los artistas jóvenes adapartarse a la nueva realidad. Ya los coleccionistas no pagan $ 4,000 para una obra de un artista recién graduado como lo hicieron dos, tres años atrás. Además hay que adaptarse en cuanto a la producción: si no hay dinero para materiales caros, hay que inventarse algo con lo que es accesible. Eso cambiará el arte en Puerto Rico, ya desde primavera he visto mucho buen trabajo sobre papel, cartón, con material reciclado etc. Y no solamente en Puerto Rico, sino también en Suiza, en Francia, etc.¨.
En cuanto a las instituciones locales, Ladner se muestra optimista y dice que ciertos cambios comienzan a manifestarse. Ese -en su opinión- es el caso del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), objeto de fuertes controversias los últimos años.
¨En cuanto a las instituciones me alegro ver que el Museo de Arte Contemporáneo está cambiando su programación por lo bueno. Al mismo tiempo lamento que la Trienal Poli/Gráfica cerró nuevamente sin dejar muchas huellas en el mundo internacional del arte. Artísticamente fue una buena trienal pero muy mal divulgada y con muchos problemas cotidianos¨.
La gestora cultural -quien se desempeña en el campo de la publicidad en Suiza, además es webpublisher independiente y profesora- espera que ¨los espacios nuevos como la Galería Yemayá y la Galería 356 puedan seguir con su programas interesantes. Propuestas alternativas como El Local en Santurce o la SFAPR (Sociedad Fotográfica de Puerto Rico, organizada por Adrianna Fernández) con sus actividades en Río Piedras son una buena señal: la nueva generación ya está experimentando con nuevos conceptos¨.

Omar Obdulio Peña Forty, Lisa Ladner y Jorge Castro antes de FAS 08
El tiempo parece poco para Ladner, quien trabaja en varios proyectos a la vez, y al mismo tiempo comienza a idear otros. También mantiene relaciones con el Caribbean Museum Center for the Arts en St. Croix -donde se participó en una exposición colaborativa con artistas puertorriqueños a principios de este año-, comenzó a investigar el arte conceptual en Puerto Rico y colabora con un coleccionista europeo de arte latinoamericano para traer una exhibición a la Isla.
¨Como en todos estos proyectos no hay dinero, dudo que pueda repetir el Pulguero de los Artistas en el 2010. Sueño con realizar un proyecto titulado MELA (Mercado Libre Associado). A ver para cuando... Además me gustaría tener un booth de el-status.com en una de las próximas ferias de HOT ART en Basel, Suiza (www.hot-art-fair.com) y representar allá unos artistas, galerías o instituciones puertorriqueñas¨.
No empece esa cargada agenda de proyectos e ideas, Ladner también colabora con el grupo Deep East Africa en Nakuru, Kenya para realizar un programa de residencia para artistas del Caribe (www.el-status.com/residency) y, por otro lado, se ha propuesto realizar un "Manual para Cuardores en Puerto Rico" con textos teóricos e informaciones prácticas como misiones de las instituciones, planos de las salas, etc.
En vista de los escasos recursos económicos, Ladner plantea que los artistas deben reinventar la manera en que realizan y presentan su trabajo. Depues de todo, asegura que lo importante debe ser mostrar las obras y no los adornos que convierten los eventos en actos de socialización.
¨Hay que unir fuerzas, pensar positivo, usar el dinero del cocktail para la producción e invitar a la gente que traigan comida y bebida, en serio. No pensar en el mercado o en la venta sino en el mensaje y en la calidad, la ingeniosidad de las obras. Arriesgarse, invertir, colaborar. Pasar menos tiempo en facebook y más tiempo en museos, galerías y sobre todo en las plazas públicas y con familia y amigos para conocer las preocupaciones de la gente y aprender a discutir y a escuchar. Ser más profesional en cuanto a la documentación y la correspondencia. Borrar el sueño de que la vida es mejor en otro sitio, cada lugar es la suma de sus residentes y Puerto Rico tiene mucho potencial. Pero si se da la oportunidad de viajar y estudiar afuera, adelante. Aprender de otras culturas y desarollar una vista crítica hacia la patria es valioso. Ser artista, ser hacedor cultural no es una fiesta. Es un trabajo mal pagado pero alguien lo tiene que hacer. Por el momento sigo con mucho gusto¨.
De la fotografía, su exposición y otros asuntos
La primera exposición fotográfica de Ladner estará enmarcada en su ciclo de presentaciones ¨La esperanza, el olvido, la incertidumbre¨, iniciado este año con fotógrafas en Casa Aboy. Explica que el título alude a ¨tres estados emocionales que reflejan tanto la situación actual del pueblo puertorriqueño como de la Casa Aboy que está en peligro de cerrar sus puertas por falta de fondos. La galería fotográfica PL 900, fundada en 1975, se encuentra en la planta superior de este centro cultural. Estos pensamientos me llevaron a buscar obras y temas adecuadas con la idea de atraer gente a la Casa Aboy que nunca han entrado y de dar a conocer la importancia de la Galería PL 900 en cuanto a la historia de la fotografía en Puerto Rico (vea http://www.casaaboy.org/)¨.
El ciclo incluye artistas de diferentes edades y formación. Comenzaron con la estadounidense Rebecca Zilenziger en abril, continuaron con Norma Vila Rivero y Gretchen Ruiz Ramos en mayo, y en agosto se presentarán Carmen Mojica y Ladner. El último ciclo estará a cargo de Loredana Hernández en septiembre, y no se descarta poder llevar el proyecto a Santa Cruz.
A pesar del esfuerzo, Ladner reconoce que Casa Aboy posee un horario limitado de lunes a viernes de 8:00 a.m. a 2:00 p.m., que impide que más personas asistan, pero espera que eso cambie pronto.
En cuanto a su trabajo fotográfico, Ladner comenzó a experimentar con el medio a los 12 años, luego tuvo su propio laboratorio de revelado en su residenia en Zurich y aunque deseaba estudiar una carrera en fotografía, esto era visto como una profesión para hombres por los equipos pesados y el machismo de entonces. ¨Así que terminé por estudiar otra cosa pero seguí aprendiendo y trabajando la fotografía. Cuando en 1989/1990 pasé casi un año en Puerto Rico, estudié en la Liga de Arte en San Juan con Carlos Arnaldo Meyners y pude conocer a Jack Delano, quien hasta hoy es uno de mis fotógrafos favoritos. En el 1992 conocí a Gordon Parks en Nueva York, otro fotógrafo ejemplar e inspirador. Con cuatro amigos en Suiza iniciamos "QuintEssenz", un círculo de fotógrafos. Nos reunimos regularmente y tomando turnos cada uno se preparaba para dar una lección y luego criticabamos las fotos que hicimos como tarea. Eso fue cuando soñabamos en convertirnos en fotógrafos como Robert Capa, Henri Cartier-Bresson o David Seymour de Magnum¨.
En un principio la ocupaba la abstracción y el juego con el color, ya luego se involucró con el blanco y negro con Delano y Parks, y los Suizos Robert Frank, René Burri, Werner Bischof, Gotthard Schuh, entre otros, ¨y empezé a ver la fotografía como un medio de reflexión sobre la sociedad¨.
¨Con la fotografía uno puede parar el tiempo y estudiar los detalles con calma. Tal vez mi mejor serie la hice con mi camera de formato medio en 1992 en Cuba. Emocionalmente estas fotos me tocaron tanto que no logré usarlas. Las guardé por mucho tiempo y luego las publiqué en la red. Siguen online y sigo recibiendo comentarios sobre este trabajo. En 1996 nació mi hija y poco después vendí todo mi equipo. Pero desde hace dos años empecé otra vez a visitar exhibiciones de fotografía, ver libros y revistas, buscar la red y a practicar con una Olympus digital¨.
Entre sus preocupaciones, sigue interesada en el ser humano y la interacción entre la gente. ¨Sigo también tomando fotos abstractas y curiosas y muchas imágenes nocturnas porque es cuando tengo tiempo para deambular por las calles de Zurich y San Juan¨.
Su propuesta en Casa Aboy se llama "El tercer lugar", una serie de instantáneas que documentan dónde y cómo la gente pasan sus horas entre trabajo y casa.
¨La referencia a la historia de la fotografía está en el formato cuadrado. Lo contemporáneo en cuanto a la presentación es que quiero hacer los prints extra grande sobre un papel ligero y así hacer la referencia a la cotidianidad, al papel de un periódico en vez de las revistas brillantes donde uno nunca sabe si la foto fue retocada. Mis fotos no son retocadas. Uso la luz natural y solamente corrijo la gradación para que la imágen sea más fiel a lo que vi o a lo que sentí en el momento de apretar el botón¨.
Al comparar la fotografía que se hace en la Isla con lo que ocurre en Suiza u otras partes de Europa, Ladner señala que hay propuestas y preocupaciones paralelas.
¨He notado que muchos fotógrafos quieren ser artistas. En vez de hacer lo que les conmueve, de seguir por las emociones que les hacía devenir fotógrafos, buscan añadir ´algo artístico´ para poder entrar en los circuitos de galerías y ferias. No importa si en Suiza o en Puerto Rico, estos trabajos normalmente no son buenos... Pero tal vez fue necesario invadir el mercado masivamente con la fotografía para que hoy se acepte como un arte tanto como la pintura, la escultura, el video¨.
Menciona que en Suiza se han establecido varias galerías con buenos portafolios que incluyen nombres de la talla de Cindy Sherman, mientras en Puerto Rico destaca Walter Otero Gallery con Carlos Betancourt (PR), Nan Goldin (USA), Andres Serrano (USA) y Víctor Vázquez (PR). Añade al artista Jason Mena, y a la Galería 356 con Myritza Castillo Irizarry y Tristán Reyes.
¨Lo que hace falta en Puerto Rico es un centro de fotografía como lo tenemos en Suiza con el Museo de Fotografía (www.fotomuseum.ch) y la Fundación Suiza por la Fotografía (www.fotostiftung.ch) en la ciudad de Winterthur donde conservan, coleccionan, investigan, exhiben y educan. Tener donde ir para siempre poder ver una buena exhibición de fotografía es maravilloso¨.
Sobre la Bienal de Fotografía en la Isla, declara que ¨parece ser un foro para el mismo grupo de fotógrafos y los criterios no son muy transparente¨.
De regreso a Puerto Rico y con la brisa del Atlántico en su apartamento de San Juan, Ladner repasa su agenda y sus muchos compromisos. Se detiene, reflexiona y comenta: ¨aquí me conocen como gestora cultural, fundadora de el-status.com y como curadora, a ver si con los años puedo dejar conocer mis otras facetas¨.

RESEÑA - Acciones en el 210

Sin Título, 2009
Vídeo performance - Vanessa Hernández y Rafael Miranda
Edición: Ariel Annexy Labault
Foto: Abdiel Segarra
De la acción a la acción
Han hecho su primera parada este pasado jueves en un antiguo local colonial, que tuvo como último inquilino a un restaurante de pollos asados. El 210 de la calle San Francisco en el Viejo San Juan ahora lo ocupan La Nómada.
Se trata de un colectivo de artistas de las acciones liderados por la artista y profesora Vanessa Hernández Gracia, quienes esta vez nos servirán variados ¨platos¨, de a poco cada jueves durante cuatro semanas.
Sobre la mesa del primer jueves estaba colocada toda la documentación que, en parte, sirvió de punto de partida para la confección del ¨menú¨. Los ingredientes consistieron de viejas y destacadas acciones realizadas por artistas reconocidos, pero esta vez llevadas a cabo en un contexto diferente, amen de la contemporaneidad. El propósito, según Hernández, es provocar un acercamiento a propuestas históricas y explorar el tratamiento corporal que le imparte cada artista.
A la mesa documental, le siguió el registro visual de la acción de la artista Marielis Castro, basada en la pieza ¨Einhorn¨, que hiciera en los 70 la artista alemana Rebecca Horn (1944). Castro le llamó ¨El Delta¨ y ha recorrido un valle de Arecibo con enormes alas doradas, y con sus movimientos ha relatado una historia mitológica. Así consta en una serie de 28 fotografías blanco y negro de altos contrastes donde su cuerpo se confunde con el paisaje y el centelleo del sol sobre sus alas doradas. El resultado es una compilación de buenas fotografías sobre la experimentación corporal de la artista.
De otra parte, al fondo del desaparecido restaurante un monitor nos presenta el largo paseo que han dado Hernández y el artista Rafael Miranda por la Milla de Oro en Hato Rey, el Cantón Mall en Bayamón y por Río Piedras, cadena en cuello y a cuatro patas. Esta acción tuvo su origen en la realizada por los artistas Valie Export (Austria, 1940) y el ruso Peter Weibel (Antigua Unión Soviética, 1944), el cual hicieron en Viena en 1968. La pieza original se llamó ¨From the Portfolio of Doggishness¨.
Hernández paseó a Miranda como si fuese su perro (y luego intercambiaron los roles) mientras las reacciones de los espectadores iban desde total indiferencia en la zona bancaria, hasta fuertes frases sexistas en Bayamón. Ambos experimentaron el dominio del otro reducido a la experiencia animal, sin opciones reales más allá de los designios del amo.
Esta acción, donde además se demuestra el esfuerzo físico de los artista, casi plantea una radiografía sociológica del puertorriqueño actual, según su estrata social y económica, (ya sea ésta real o en apariencia).
Esta acción es parte de los innumerables performances hechos por los artistas del llamado ¨accionismo vienés¨ en los 60, movimiento caracterizado por el rechazo del arte tradicional. Dichos trabajos utilizaban principalmente el cuerpo como elemento fundamental del planteamiento artístico, que muchas veces resultaba grotesco y violento.
Cada siguiente jueves de junio se añadirán nuevas acciones y los visitantes podrán disfrutar del trabajo de otros artistas como Fernando Pintado y Aracelis Pino. La cita es de 7:00 p.m. a 10:00 p.m.

RESEÑA

De ferias, trienales y pulgueros
Terminó el fin de semana de las artes en Puerto Rico y ahora nos toca evaluar cuál fue el saldo de tantas actividades. Entre los principales eventos realizados estuvo la feria Circa 2009 y su proyecto Circa Labs, la Trienal Poligráfica (que se extenderá algunos meses), El Pulguero de los Artistas, y una serie de exposiciones, visitas a estudios de artistas y a colecciones privadas, así como otros eventos relacionados con las artes plásticas.
Circa contó en su inauguración con mucho público, lo cual es normal en estos eventos de fanfarria y pasarela. Fuera de esa ocasión el público que asistió no fue tan numeroso, lo cual también se reflejó en los demás eventos que no tenían que ver con Circa. Esto no es de extrañarnos ante la crisis económica mundial.
La feria lució organizada, más pequeña que en años anteriores y con propuestas en medios más tradicionales en la línea de la pintura y el dibujo, y lució más jovial. Hubo poca fotografía, menos instalaciones y menos apuestas arriesgadas.
Luego de visitar la feria y reflexionar acerca de lo observado, pocas cosas lograron marcar un recuerdo.
En general, los puertorriqueños presentaron trabajos más interesantes (a un lado con los sentimientos nacionalistas e insularistas), pero cabe mencionar que sobresalieron los trabajos del joven artista argentino Gabriel Delponte y del español Luis Vidal.
Delponte presentó una pintura sobre panel, de gran formato, realizada con acrílico, óleo y otros materiales. Su pieza ¨Caballero¨ es una reeinterpretación de la pintura Marques de Granvy, del artista inglés Joshua Reynolds, en la que remosa la imagen al recontextualizar los personajes y elementos del cuadro original. Además, como explica Delponte al conversar con El Naufragio de las Palabras, ¨no hay un respeto de la luz en mi trabajo¨, por lo que las sombras no necesariamente corresponden a la dirección de la luz, algo ya usual en su trabajo. La colorida imagen con los provocados ¨accidentes¨ (por llamarlo de algún modo) de luz y sombra segmentan la pieza y esto nos lleva a explorar su narración de una manera inusual.

Pieza de Gabriel Delponte
En cuanto a Vidal, este presentó una serie de personajes, al parecer basados en el cuento de ¨Alice in wonderland¨, en donde los Conejos juguetones e ¨inocentes¨ se aprovechan de ese aura para cometer crímenos contra la infancia, como es el abuso de menores. El artista utiliza los simpáticos muñecos para llamar la atención acerca de una problemática mundial.
Por su parte, varios artistas puertorriqueños impusieron sus trabajos con interesantes propuestas. Tal es el caso de Carmen Olmo Terrasa, que aunque no aparecía anunciada entre los artistas en el cubículo de Art Foundation, sobresalió con facilidad. La artista presentó una de sus máscaras de gas (como las que expuso el pasado año en Galería Guatíbiri y luego en Photo Miami). Dentro de la máscara colocó un vídeo con la imagen de la jefa de fiscales interina del Departamento de Justicia de Estados Unidos en Puerto Rico, Rosa Emilia Rodríguez, y una peseta boricua flotando en el aire. Aunque el mensaje es localista -y no voy a explicar el entrelíneas- el discurso colonial, entre otros, es muy claro y trasciende lo insular, sobre todo tras los recientes comentarios del presidente nicaraguense que describió a la Isla como una colonia.
El trabajo de Ramón Miranda Beltrán con sus impresiones fotográficas sobre concreto igualmente resultó notable. Miranda Beltrán, al ser abordado por El Naufragio de las Palabras, contó que trabajar con cemento es harto conocido en la historia del arte pero su propuesta consiste en ¨imprimir¨ imágenes fotograficas a gran formato sobre planchas de cemento -sin uso de tecnología ni artefactos- logrando un efecto visual de decadencia. El artista se apropia de fotografías históricas para proponer su discurso político y social a través de alegorías que van desde la imagen en sí hasta el material que utiliza.

Pieza de Luis Vidal

Resultaron interesantes también los dibujos y pinturas de Roberto Márquez Jorge, con sus personajes multicolores cargados de ironía, un tanto amórfos, y caricaturescos. Igual mención merecen las piezas-grabados-instalaciones de Omar Velázquez que recoge al personaje de la calle y nos lo pone en ¨vitrina¨. Esta vez (en los Circa Labs). Utilizó ropa probablemente de deambulantes para formar un cuerpo que completaba la imagen comenzada en grabado y terminada en un bulto de pantalones, camisas y quien sabe cuantas otras cosas.
La pieza perfomativa de Rafael Vargas Bernard con su tómbola de cartón y la venta de boletos para luego sortear los elementos que compondrían la pintura que finalmente realizaría, igual merece su mención.
Por lo demás, el resto de las propuestas en Circa 2009 la componían pinturas, dibujos, algunas fotografías y algunas piezas curiosas.
El Pulguero de los Artistas

Vista parcial de El Pulguero
En el Pulguero, este interesante proyecto de Lisa Ladner y Carmelo Sobrino (esta vez no se le vio por el Pabellón de la Paz donde se realizó el evento), debe ser evaluado. Aunque más organizado, contó en esta segunda edición con menos artistas y mucho menos público.
El estigma de su nombre parece que nadie se lo podrá quitar. En una Isla tan dada a las apariencias, o más bien a la seudoapariencias, parece que estorba eso de ¨pulguero¨. Incluso artistas participantes comentaban sus reservas con el nombre y otros daban cuenta de las directrices de galeristas para que sus artistas no estuvieran en el evento.
De hecho, en conversaciones de El Naufragio de las Palabras, con personas relacionadas con otros eventos resultaba notable su desconocimiento sobre la actividad alternativa.
En el Pulguero hubo de todo, desde pinturas tradicionales, gráfica, fotografía, vídeo, instalaciones, esculturas y música alternativa. No sé si se requiera de más educación respecto al concepto o si requiere de otros elementos para lograr un mayor apoyo. De todas formas, galeristas y público que visitaron el evento se expresaron a favor del concepto y aseguraron que lo preferían sobre las ferias tradicionales de arte.
Trienal Poligráfica

Pieza de Christopher Cozier
Este evento cuya página web no era una página web -ya que apenas contenía información y prácticamente no decía nada- tuvo una concurrida y mojada apertura. Fue mucha la gente que asistió, y también el agua que comenzó a inundar el lugar por la lluvia. Además del agua en el patio del Arsenal de la Marina, en algunas áreas del interior de las galerías fueron notables las goteras.
Como era de esperarse el papel es el protagonista de la Trienal, como soporte para diversas propuestas. El discurso político y de corte social tan asociado a los carteles de antaño de las luchas obreras, apenas aparecieron. Atras quedaron los carteles tradicionales que durante muchos años le merecieron reconocimiento y trascendencia a la producción artística local, para dar paso a formas más contemporáneas de entender y replantearse la gráfica. En la línea directa y tradicional de las luchas obreras y sociales estaba el montaje del grupo argentino Taller Popular de Serigrafía.
Sobresalieron 14 torres de papel moneda mexicano del artista Máximo González (Oil drills, 2006), así como los montages de Jorge Machi, quien presentó dos cuadros de periódicos a los que le sretiró el texto y las fotos de todas sus páginas y dejó el esqueleto de ambos.
Christopher Cozier, de Trinidad & Tobago, colocó una paleta de carga repleta de pequeñas cajas de cartón con la palabra FEAR impresa.
Lo demás incluyó fotografías monumentales sobre ¨banners¨, variedad de impresos, libros y muchas instalaciones.
Hasta el año que viene...
Celebrar tantos eventos a la vez no estoy muy convencido de que sea una buena idea, en términos prácticos. Tal vez estas cosas funcionan en otros países, con más personas, con un mercado establecido, con una tradición de visitar espacios de arte. Es cierto que se puede aprovechar la ocasión para impulsar distintos eventos, pero no necesariamente tendremos un público flotante que irá de Circa a la Trienal y al Pulguero, y de ahí a los estudios de los artistas, a los Circa Labs y a otras exposiciones independientes.
Tal vez nos falta educación al respecto o necesitamos otro tipo de organización, pero la realidad es que con un mercado reducido nadie quiere que sus compradores o simples espectadores se les vayan para otros eventos. Habrá personas (coleccionistas o quienes sean) que buscan artistas específicos, o que buscan innovaciones, pero ¿cómo armonizamos esos posibles intereses para estimular un mercado pequeño donde cada cual hace lo suyo, y la camaradería entre organizadores -que también tiene un precio- se queda en una sonrisa?
El planteamiento principal es cómo lograr movilizar a las personas para que apoyen tal o cual evento. En este sentido, tal vez El Pulguero -aunque obviamente consiste de otro tipo de actividad a la de Circa y la Trienal- debería contar con una programación educativa ajustada a su concepción para que más personas -y los artistas- entiendan su propósito.
Después del fin de semana del 17 al 20 de abril de 2009 hay que aplaudir los distintos esfuerzos -los apoyemos o no- porque es mejor tener algo que nada. De todas formas hay una mirada -cierta mirada- a la Isla. Sólo que en adelante reflexionemos todos y veamos desde el balcón de cada cual qué es lo más conveniente para que la escena local del arte gane. Que los eventos no se conviertan en pretexto para apoyar agendas personales disfrasadas de compromiso con las artes. Y no es que sea malo que cada cual tenga su agenda y sus intereses, pero lo menos que podemos esperar es que todos estemos claros, sobre todo cuando se utilizan fondos o bienes públicos.
Ya veremos que pasa el próximo año. Ya nos quedan menos de 365 días para ir pensando cómo se deben reenfocar estos asuntos.

PRÓXIMO PROYECTO DEL NAUFRAGIO

El próximo proyecto de El Naufragio de las Palabras consistirá de un viaje virtual para presentarles el trabajo de algunos de nuestros artistas que han emigrado a otros lugares desde donde impulsan sus carreras. Este viaje comenzará en breve con el artista José Lerma, quién nos hablará de su trabajo, sus proyectos y sus inquietudes como artista. Espéralo.

La pólítica, la cultura, el arte, la vaca y los arrullos plácidos

Todo es algarabía, bocinazos, altavoces, fanfarria, mucho ruido. Y mucho color. El IVU, el ambiente, la corrupción, la seguridad, la economía, la gasolina, el STATUS, cuál es el más pillo o el más mongo, y más o menos en esos temas se concentró toda la información-desinformación de los candidatos políticos aspirantes a administrar la colonia.
Pero, ¿alguién dijo ARTE? ¿CULTURA? ¿Con qué se come?

Parece que no se come, ni se mastica, ni siquiera como las vacas que llevan el pasto de lado a lado y luego lo expulsan. NI SIQUIERA ESO. Cultura parece circunscribirse a eso de las imágenes ondeando banderitas -sobre todo con un cielo siempre nítido de fondo que le sirve de dosel- y una manada correteando por los valles y las montañas, en el jardín florido de mágico primor.

Mientras tanto, ningún proyecto concreto (ni etílico) para apoyar, fomentar y patrocinar la actividad plástica y demás expresiones artísticas. NUNCA escuché a ninguno de los candidatos decir nada al respecto. Ya sé que hay temas de envergadura y apremiantes. Pero, ¿cuántos niños, hoy jóvenes y adultos, no serían actuales delincuentes si -entre otras cosas, por supuesto- hubiesen tenido el acceso a la sensibilidad que proveen las expresiones artísticas, o el beneficio del deporte, la labor comunitaria, etc?

No se trata de que el gobierno asuma un rol paternalista. Pero, ¿COÑO para qué los ponemos cada cuatro años en las posiciones públicas? Para que nos sirvan, para que administren eficientemente nuestros recursos y el dinero público (que también sale de nuestros bolsillos).

A vista de pájaro, el único proyecto coherente de promoción cultural en diferentes órdenes y con espacio para la diversidad (o el más notable -siempre quiero parecer justo-), parece ser el de Miranda Marín en Caguas. Ya hemos visto el trabajo de Elsa María Meléndez y de otros funcionarios y empleados municipales vinculados al arte y la cultura. Que conste que esto no es un endoso político porque no vivo en ese municipio y este escrito se produce a escasas horas antes de la apertura de los colegios de votación.

Con lo que recibimos en la papeleta, el Puerto Rico del día después no parece que cambiará mucho.

Mientras las vacas mastican de lado a lado, asumamos nuestro deber y compromiso, que nadie dijo que la cultura, y menos el arte, eran arrullos plácidos.