domingo 7 de marzo de 2010

Federico Farrington: Sobre pieles





El rapto de artemisa


Cuando se para frente a la tela, Federico Farrington no le teme al color. Mucho menos a las tendencias estilísticas actuales. No vacila en manejar una paleta de acrílicos brillantes ni en su acercamiento a las escuelas del surrealismo, la neofiguración y la transvanguardia.

Tras una carrera en el diseño y su vínculo a la pintura, es en su etapa madura cuando el artista decide completar un grado en pintura en la Escuela de Artes Plásticas (EAP) en el Viejo San Juan. De esto hace unos dos años, y sostiene que le ha permitido tener un acercamiento y entendimiento con los hacedores más jóvenes del arte, así como el respeto recíproco a sus respectivas propuestas.

Es en la EAP donde depura su práctica y se pone en contacto con otros medios contemporáneos, aunque prefiere seguir por ahora en la pintura.

En su encuentro con El Naufragio de las Palabras en su taller, reconoce que en el arte ¨prácticamente ya todo está hecho y por eso tengo la necesidad de hacer una pintura replanteada, que tiene que ser más fuerte, más contundente¨. Asegura que le ocupa el proceso de cuestionarse la pintura sin emigrar del medio.

¨Yo defino el arte como un proceso de transformación, primero a ti como artista y luego la posibilidad de transformar a otros con lo que les presenta¨, manifiesta Farrington. ¨Me afecta cualquier cosa que sea un atentado contra la libertad, que venga como una agenda o a manipular. Me busco mucho en lo que nos conviene a nivel espiritual. Lo que planteo es el no saber¨.

El artista elabora personajes frontales -para hacerlos más persuasivos- que se van transformando ante nuestros ojos y nos dejan con la idea de rebuscar sobre pieles. Construye personajes donde cada color es una nueva epidermis que brota una y otra vez sin revelarse por completo.

Es ahí donde entran en juego lo misterioso e indescifrable de sus hombres y mujeres que muchas veces son los que nos miran primeros para recordarnos que los intrusos somos nosotros, mientras continuan con su transformación. No sonrien, simplemente están ahí.

Las pieles les sirven las más de las veces de antifaz y la sexualidad casi siempre los rondan. Ya sea cuando estos personajes nos muestran su genitalia, o encontramos el referente en narices fálicas o bocas casi vaginas, y en pechos-pecherines desbordados.

Explica que siempre descompone la figura con un interés deliberado y controlado. Y destaca la importancia de los ojos ¨porque esa es la salida o entrada al interior, y trabajo con lo que hay detras de esa mirada, lo que está oculto, porque es ahí donde está el misterio¨.

Cuando trabaja, Farrignton dice que intenta buscar ¨un punto medio entre la razón y la intuición¨, pero establece que son pinturas bien pensadas sin espacio para accidentes.

Eso no quiere decir que se ciñe en exclusivo a un boceto, ya que no deja que este lo guíe hasta el final ¨porque un boceto te puede perjudicar una pieza¨.

¨Soy muy perfeccionista y si veo que el particular está afectando la totalidad de una obra yo lo cambio aunque no esté el boceto¨, añade.

El artista, quien prefiere no firmar sus obras, se prepara para tener su primera exposición en solitario este año, con piezas en mediano formato. Realizará principalmente rostros, a diferencia de piezas anteriores que abordan personajes de cuerpo entero y con una narración visual con más elementos.

En adelante, confiesa que continuará esa búsqueda de cuerpos mutantes que nos van revelando quien sabe si lo mejor o peor de cada uno, quien sabe si se refiere a sus propios personajes únicamente, quien sabe si nos encontramos también ahí.

jueves 18 de febrero de 2010

Prototipo: proyecto editorial sobre cultura contemporánea


Para los que buscan nuevas propuestas edioriales ya está disponible el más reciente volúmen de la publicación especializada en temas culturales contemporáneos, PROTOTIPO 7.0 fundada y dirigida por Dyanis De Jesús Colón, quien reside en Chicago y cuya trayectoria profesional abarca principalmente desde el arte, el periodismo y la publicidad.

De Jesús Colón ofrece en esta edición un viaje cultural por España, Francia, Argentina, Italia, Estados Unidos, México, Suiza y Puerto Rico, con propuestas creativas, escritos, imágenes y piezas de arte originadas en cada uno de estos países, todos interconectados por la tecnología y las redes del ciberespacio.

Al referirse al ¨network¨, como parte de la estructura que proyecta a través de su publicación, De Jesús Colón plantea una serie de cuestionamientos como introducción y saludo a la presentación de su proyecto editorial, en el cual cuenta con la colaboración de Eduardo Cintrón, como director de arte.

¨En esta versión de mundo que habitamos, esa interrelación es la norma (o se ha hecho más evidente). Algunos aprovechan este estado para divulgar, influenciar, exponer propuestas estéticas; otros te quieren convencer de las ideas propias y algunos otros pretenden ignorar este continuo flujo del que todos nos nutrimos y por el que toda acción tiene una reacción, colectiva¨, señala la joven creativa. Y añade que ¨no tenemos una respuesta a ninguna de estas cuestiones. Es una simple provocación para todos los creadores allá afuera, ¿qué rol juega el network en ti? ¿qué rol juegas tú en él como ente creativo? ¿cómo te alimentas de esta idea?¨.

Con un diseño ágil, actual y muy creativo, encontramos en la publicación un escrito de la curadora Marina Reyes Franco acerca de la dinámica presente del arte joven en Buenos Aires, donde reisde y realiza estudios en historia del arte. Por su parte Juan Roberts, quien reside en Rincón, Puerto Rico, comparte lo que denomina ¨una novela blog¨ titulada Strawberry Roaches. Piezas de la artista Migdalia Barens, joyería de Lucymar Delgado y editorial fotográfico de moda de Mara Corsino, son algunos de los tópicos que encontramos.

Los que deseen saber el costo y obtener un ejemplar de esta publicación PROTOTIPO 7.0 pueden escribir a dyanis@gmail.com  /  prototipomag@yahoo.com

martes 2 de febrero de 2010

RESEÑA CIRCA

Ikaro Zorbar

Angel Otero

Omar Velázquez

Jorge Díaz Torres

Manuel Archain

Alrededor del arte: la experiencia Circa 2010

SAN JUAN, Puerto Rico - En su quinta edición, Circa, la primera feria de arte de Puerto Rico, a simple vista parece no lograr la trascendencia esperada para un evento de esta naturaleza y precisamente al cabo de cinco años desde su fundación.

Distintos factores podrían abonar a esta situación, entre los que cabe mencionar el enfoque de sus realizadores, la falta de apoyo del gobierno y, por supuesto, la crisis económica mundial que parece hacer más mella en la Isla.

Respecto al enfoque, aunque se trata de una feria de arte contemporáneo, esta vez sus organizadores Roberto Nieves (director y presidente) y Celina Nogueras (directora artística) apostaron por propuestas artísticas más ¨amigables¨ contrario a años anteriores cuando podían apreciarse trabajos más contundentes y arrojados, muy propios de estos tiempos, y por lo tanto más actuales.

Claro, eso podría tener una explicación en el sentido de que a diferencia de una exposición, la feria de arte es un mercado para vender piezas, y no necesariamente emarcadas dentro de una temática particular. El fin de la feria es vender y en el caso que nos ocupa ésta se realiza en un mercado que no está del todo maduro. En ese sentido, sus organizadores buscarán atraer piezas y artistas que logren capitalizar su inversión en un escenario de reducidos compradores. Esto no significa que carezcan de importancia y valor.

Circa se realiza con un presupuesto reducido que ronda los $200,000 poco más o poco menos, sin el apoyo, o más bien el apoyo tímido del gobierno (una asignación por debajo de los $20,000). La cultura, que nunca ha sido vista por ninguno de nuestros gobernantes como un instrumento de actividad económica, repite su experiencia de relegada en la celebración de Circa.

Tan reciente como la última semana de enero una delegación del gobierno local, encabezada por la Compañía de Turismo, acudió a una de las principales ferias de turismo del mundo, FITUR 10, celebrada en Madrid, España. Cómo se explica que la celebración de Circa no encuentre resonancia en el apoyo del gobierno como parte de sus estrategias para mercadear a Puerto Rico como destino. Cómo se justifica que se puedan repartir en ese evento en Madrid opúsculos de paradores sencillos de las diferentes regiones del país, y en cambio un evento como pudiera ser Circa no alcance ni siquiera ese espacio.

Obviamente existe un problema de proyección de la feria de arte, un problema en el convencimiento de las autoridades y posibles auspiciadores, y una falta de visión. Y no se trata de un señalamiento en una sola dirección.

Por qué puede y debe ser importante Circa. Bueno, porque además de ser una entidad privada que naturalmente beneficia a sus desarrolladores, también puede ser una ventana para presentar el trabajo de artistas locales que al entrar en contacto con expositores de otros países pueden lograr contactos y compradores internacionales. También puede ser un atractivo en la región para convidar a coleccionistas y amantes del arte, o simplemente viajeros, a considerar Puerto Rico como destino caribeño donde igual se puede apreciar y adquirir arte de calidad. No es que nada de esto ocurra, es que debe ocurrir más y ser más notable.

Sus organizadores sostienen que se genera un movimiento o actividades paralelas a la feria, como visitas a colecciones privadas, otras exposiciones y demás. Circa también genera empleos temporeros, genera ventas -pocas o muchas, pero ventas-, y eso no es negativo. Circa se convierte en una posibilidad de abrir espacios para educar sobre el arte contemporáneo aunque esto no esté ocurriendo.

Se le percibe como una feria elitista, de unos pocos, y basta irse a la calle y preguntar cuántos sabían qué era Circa, y muy pocos todavía no la conocen. Y no aludo a la masa -por referirme a la mayoría de las personas con una educación promedio-, sino a los profesionales, jóvenes profesionales que ni siquiera saben lo que es esta feria de arte.

Ya han pasado cinco años desde la primera Circa, y esta vez se cambió su fecha de realización que había sido alrededor del cuarto y quinto mes, para aventurarse a comenzar el año, antes que otras ferias establecidas a nivel internacional. Si esto resultó positivo o no, ya nos enteraremos.

Este año el espacio de exibiciones en el Centro de Convenciones en Miramar parecía menos ocupado, aunque los organizadores aseguran que el total de expositores es el promedio de siempre. Había galerías de Alemania, Argentina, Colombia, China, Costa Rica, España, Estados Unidos, Taiwán y Puerto Rico.

El proyecto Circa Labs, que consiste de contenedores donde se invitan a artistas emergentes o galerías, y hasta ahora había funcionado fuera del recinto principal, esta vez se les vio literalmente dentro de la feria. El concepto de los contenedores bajo un techo y la comodidad del Centro de Convenciones le confieren otra dinámica, no del todo adecuada.

Qué sobresalió en Circa 10. Poca fotografía, mucha pintura, dibujos, pocas instalaciones, pocos videos, y poco arte con carácter.

Una vez más, Omar Velázquez logra sobresalir por su trabajo, primero en la Muestra Nacional de Artes del Instituto de Cultura Puertorriqueña, y ahora en Circa. El joven artista presentó sus grabados de gente de la calle en tamaño natural, sobre enormes pedazos de papel simulando pescado colgando del techo. La mano diestra de Velázquez, la textura y el impacto de sus piezas casi hacían sentir el olor ocre al que aludían.

Muy cerca del espacio en solitario que ocupaba Velázquez, estaba el trabajo presentado igual en solitario del artista Jorge Díaz Torres, con su estética de imitar objetos comunes protegidos por enrejillados galvanizados, creados con esmero tal que casi resulta imperceptible la diferencia con el objeto real. La experiencia fue notable en dos de sus piezas, una con dos cilindros de gas realizados en papel, y una enorme nevera de hielo realizada con diferentes materiales.

De las galerías del exterior llamó la atención Casa Riegner con el trabajo rudimentario del artista colombiano  Ikaro Zorbar, quien presentó pequeñas maquinarias que aluden a los sonidos, como una que accionaba un casete y se podía escuchar la pieza Volver, mientras al extremo de un tablero otra maquinaria recogía la cinta. Son canciones vinculadas a experiencias sentimentales del artista y la acción de la máquina como apoyo para la memoria.

Sobresalió, además, las fotografías del artista argentino Manuel Archain, con escenas cotidianas cargadas de ironía y surrealismo, como la pieza Secador. En esta muestra a una chica con toalla amarrada a su torso mientras su cabello chorrea en un lavabo. Tiene una mano extendida hacia atras y una mano de hombre en chaqueta negra le extiende un arma en lugar de un secador.

Del ya exitoso artista puertorriqueño Angel Otero, había una pintura de mediano formato con sus manteles y jarrones con flores, donde se destaca el uso de materiales y las sensaciones de profundidad logradas en su trabajo. 

Cuál es el futuro de Circa. Eso sólo sus organizadores lo saben. Lo que sí esperamos es que este sea uno de esos eventos que puedan continuar y logren la trascendencia necesaria para el país. Que sea una feria inclusiva y que se le agreguen otros componentes para que logre mayor resonancia. Naturalmente eso requiere de más dinero, reenfoque y apoyo. Después de todo, es un logro mantener cinco ediciones vivas.

lunes 25 de enero de 2010

Desde la diáspora con Esteban Figueroa: Del infierno, el purgatorio y el paraíso




BUENOS AIRES, Argentina - En el suntuoso vestíbulo del Hotel Emperador está sentado Esteban Figueroa. Está quieto. Sin embargo, tras el saludo y la presentación no deja de hablar y moverse, sobre todo moverse. El artista puertorriqueño -o niuyorican, que importan las etiquetas- habla con todo su cuerpo mientras va de una idea a otra, y a otra y a otra.

Es espigado, lleva una canosa cola de caballo e indistintamente habla español e inglés. El encuentro con El Naufragio de las Palabras estaba pautado para un breve relato sobre su estadía en la ciudad porteña y conocer de sus proyectos recientes. Al final, la amena conversación se extendió más de lo pronosticado, pero no lo suficiente frente a un artista de muchas historias y un proyecto de envergadura.

Este año Figueroa podría regresar a la Isla con su trabajo más reciente que le supondrá presentaciones en Buenos Aires, Madrid y San Juan, tres ciudades que integran la propuesta visual que recrea su visión del infierno, el purgatorio y el paraíso, basado en la Divina Comedia de Dante Alighieri.

El trabajo, según explica, consiste de una muestra fotográfica que partirá desde el Palacio Barolo en Buenos Aires, con la cual pretende explorar ¨de forma aguda y crítica¨ al ser humano y su destino. Figuras humanas desprovistas de vestiduras que revelan hasta sus entrañas son parte fundamental de esa exploración colectiva.

Figueroa combina la imagen desde la estética de la vieja escuela, pero a través de la tecnología actual, para presentar un trabajo fotográfico digital que evoca las texturas y la luz de Caravaggio y de artistas como el Bosco, Botticelli, Velásquez y Goya. Lo denomina "pintura digital".

Destaca que  elabora las imágenes a partir de una referencia pictórica y por eso el espectador podría pensar que se encuentra ante pinturas.

El artista trabaja inicialmente con figuras reales que retrata sobre los techos de la ciudad para lograr cierta cercanía al cielo, y lo hace en horas nocturnas. Luego construye digitalmente los espacios o escenarios donde pululan esas figuras desnudas.

Explica que en esos escenarios aparecen  sogas o  agua, ¨como metáforas, que enlazan o mojan los cuerpos, anunciando la lucha eterna contenida en cada ser por liberarse o purificarse, a fin de cuentas… intentando evidenciar la tensión del hombre con su propia fe¨.

Resalta los símbolos religiosos mediante  crucifijos y altares, que generan un espacio que desconcierta al espectador y lo transporta al mundo imaginado por el artista. Lo define como ¨el infierno de cada hombre¨.

Cuando se abraza al tema del infierno, lo hace  desde una intención ¨humanista¨ para excarvar en  la necesidad de revivir la fe sobre las instituciones tradicionales como la iglesia, el estado y la sociedad. Indaga en la muerte en un sentido filosófico, pero dentro de un proyecto de vida.

El Infierno comenzará en el Palacio Barolo en Buenos Aires, luego transcurrirá el Purgatorio en San Juan y llegará al Paraíso en Madrid.

El Palacio Barolo fue propiedad del productor agropecuario Luis Barol, quien arribó a la Argentina en 1890. Éste contrató al arquitecto Mario Palanti  para realizar la estructura que tenía en su mente. Figueroa menciona que Palanti, quein era un apasionado de La Divina Comedia, decidió llenar el palacio con referencias a la obra.

Por ejemplo, la división general del palacio está en tres partes, mientras las nueve bóvedas representan los nueve pasos de iniciación y las nueve jerarquías infernales. Además, su altura es de 100 metros y son 100 los cantos de la obra de Dante, entre otras referencias.

Cada presentación consistirá de 20 imágenes de gran formato acompañadas de talleres en cada lugar, cuyo resultado se habrá de incorporar a la muestra.

El proceso de captar las imágenes estará influenciado por la formación teatral de Figueroa, quien utilizará la metodología del teatro del oprimido para conseguir que cada uno de sus modelos -que serán personas comunes de la calle- logren sacar  “un carácter único asociado a un personaje siniestro el cual habita en el infierno de cada persona¨.

Con este proyecto el artista hace un reconocimiento a la obra de Dante, pero también busca  conectar a los espectadores con la realidad actual y acercar  las nuevas tecnologías al arte clásico. Y sobre todo la exploración interna del infierno de cada cual.

martes 19 de enero de 2010

COMENTARIO: No salen del anclaje “las instituciones culturales”


El Instituto de Literatura Puertorriqueña, que preside el Dr. Ramón Luis Acevedo, anunció recientemente que el Instituto de Literatura Puertorriqueña está en el proceso de considerar la producción periodística publicada durante el año 2009. Para esto convoca a los autores de artículos periodísticos publicados por primera vez durante el año 2009, para que participen en el certamen y aspiren a un premio que podría ser de $5,000.

Mientras por un lado todos cobramos cada vez más conciencia de la importancia y el rol que desempeñan las nuevas tecnologías, el Instituto de Literatura Puertorriqueña sigue anclado en un pasado de papiro y obvia los medios alternativos que divulgan importantes escritos e informaciones. De esa manera relega el valor, incluso periodístico y literario que puedan tener los escritos variados que encontramos en la red cibernética.

Los valores culturales trascienden los adoquines, las vigas de ausubo y las construcciones de mapostería. Cuándo nuestras instituciones –oficialistas, públicas y privadas- van a mirar al futuro. O ni siquiera al futuro, al presente. La historia es fundamental para un país, pero la historia igual se construye día a día.

El Naufragio de las Palabras enfoca sus escritos en el arte contemporáneo y sus hacedores, pero  existen sobre un centenar de espacios cibernéticos producidos en esta Isla, que ofrecen historias, relatos y trabajo que bien podría considerarse periodístico, que resultan esclarecedores y que constituyen nuevas voces refrescantes e informadas en infinidad de temas. Estos no son considerados por entidades como la aquí mencionada, pero en cambio cuentan con los lectores que saben distinguir entre una historia y una Buena historia. Simplemente vean Diálogo Digital, Estruendomudo de Manuel Clavell Carrasquillo, Fractal de Karla Marie Ostolaza, y Quantum de la Cuneta de Eric Álvarez, por mencionar pocos ejemplos.

Para participar del comentado certamen, los artículos deberán estar en el Instituto en o antes del 1 de marzo de 2010 y podrán concursar periodistas puertorriqueños o extranjeros permanentemente domiciliados en Puerto Rico, mientras los artículos de prensa o revista deberán estar escritos en español.

Los trabajos deberán entregarse al Instituto de Literatura (Calle San Francisco 361, Apartamento 1 Primer Piso, Viejo San Juan), con diez copias de cada artículo, en los cuales aparezca el nombre del periodista, el nombre del periódico y la fecha de publicación. Para más información pueden llamar al 787-977-2307. Llamen todos para que sepan que más allá del papel se construye otra historia otro mundo, muchas veces más real.

CONVOCATORIA: Abrazo caribeño por Haití


El Comité Pro Niñez Dominico Haitiana, una organización puertorriqueña que lleva casi una década haciendo trabajo educativo y humanitario en la frontera entre Haití y República Dominicana, y La Respuesta convocan a los artistas visuales a unirse en solidaridad con el pueblo haitiano. Abrazo caribeño por Haití reunirá a un extenso grupo de músicos, teatreros, performeros y artistas visuales con el fin de recaudar fondos para nuestros hermanos y hermanas haitianas. Entre los artistas confirmados se encuentran, Tego Calderón y sus Majaderos, Mima,  Awilda Sterling, Y no había luz, Calle 13, Gisela Rosario, Abey Charrón, Teatro Breve, entre muchos otros.

Extendemos una invitación a todos/as los artistas visuales a donar una pieza (en cualquier medio, tamaño y valor) la cual estará a la venta durante la actividad. Todo lo recaudado será canalizado a través del Comité Pro Niñez Dominico Haitiana. Las piezas no vendidas pasarán a formar parte de un catálogo digital que se distribuirá entre posibles compradores.

Las piezas se estarán recibiendo el jueves, 21 de enero a partir de las 12:oo del mediodía en el local de La Respuesta, Ave. Fernández Juncos esquina Calle del Parque, en Santurce. El horario está aún por confirmarse. El evento multidisciplinario de recaudación de fondos para el pueblo haitiano será en La Respuesta los días 22 y 23 de enero de 2010

Para más información del proyecto y la convocatoria pueden comunicarse con Vanessa Hernández Gracia al 787 412-9498, Melissa Sarthou al 787 307-4686, con el Comité Pro Niñez Dominico Haitiana al 787 361-8383, o a través del correo electrónico: vanessahernandezgracia@gmail.com Además, más información en el blog: http://abrazocaribeno.wordpress.com/


viernes 15 de enero de 2010

RESEÑA: Grande la chiquita

Javier Román

Kristine Serviá

Lillian Nieves

Arnaldo Román

 

El centro curatorial LA 15 cerró el 2009 con una ambiciosa propuesta donde logró reunir a poco más de 50 artistas en la muestra Chiquitolina, con trabajos de pequeño formato en diversos medios. Esto resultó en una pequeña muestra nacional de lo que ocurre en el arte contemporáneo en Puerto Rico, con expresiones que incluyeron pintura, dibujos, objetos, fotografía y vídeo, entre otros. El tema del consumerismo, ya tocado en demasía por los artistas a nivel global, en cambio estuvo efectivamente presente en las piezas más destacadas de esta exposición organizada por José Jorge Román, con una base referencial a las exhibiciones de pequeño formato iniciadas en la Isla hace más de 45 años por Luigi Marrozzinni.

Entre las piezas se puede destacar la propuesta de la artista Lilliam Nieves, quien presentó una lata paa recolectar donativos la cual tenía adherida una estiqueta que la presenta a ella en ropa interior. El texto en la etiqueta busca donativos de las personas para poder realizarse una lipoescultura. Esta pieza será parte de un performance que la artista se propone realizar durante este año. Mediante la ironía, Nieves cuestiona los parámetros de belleza establecidos por los medios de comunicación que constantemente están diciéndole a los consumidores cómo vestirse, como caminar, como hablar, como comer, incluso como amar.

Por su parte, Arnaldo Román presenta el único vídeo presente en la muestra donde también se incluye como personaje central, para denunciar el consumerismo rampante que lleva a las personas a plantearse la aceptación del Yo, a partir de lo que dicta el mercado y demas estructuras sociales. Roman, en su video en blanco y negro, aparece cambiándose una camisa y colocándose una máscara de latex que lo presenta con otro rostro y calvo. Durante la duración del video intenta una y otra vez acomodarse la máscara, mientras su insatisfacción es evidente. Al final se despoja de la máscara pero la insatisfacción sigue presente. En esta pieza entran en contradicción la personalidad, los deseos y la realidad de las personas.

De otro lado, cabe mencionar la pieza de Javier Román, que consistió de un dibujo a carboncillo cuya composición incluyó elementos que también aluden a los patrones de consumo, aunque desde una perspectiva más política. La pieza inluye un texto que lee: ¨El sueño de la nación produce monstruos¨. Por eso vemos el símbolo de la industrialización cementera en la figura de Luis A. Ferré, vemos figuras vampiros, vemos el cordero siempre relajado, y la invasión de Costco, Wal-mart y el anticipo de lo que ocurrirá con Krispy Kream. Del cielo o del infierno, o quizás de ambos lados, la figura siniestra de un Tío Sam que parece colocar y sacar figuras de la isla tablero.

De Kristine Serviá hay dos dibujos de su nueva producción que abordan el tema de la relaciones interpersonales a través de entramados de cables e interconexiones con cajas o archivos, y su distintiva preocupación por el orden. Ya es tiempo de que podamos presenciar una exposición en solitario de Serviá para poder apreciar en un marco amplio la estética y conceptualización de su trabajo.

También pudimos ver obras de Carmen Olmo Terrasa, quien presentó pequeños trabajos de su serie La Capilla, una de las mejores exposiciones de 2008. Se destacan piezas de Roberto Márquez, con sus caricaturescas pinturas que exploran los complejos de las personas, y el trabajo interesante de Edwin Jonathan Torres.

Román, fundador de LA 15, logró con Chiquitolina reunir una muestra representativa del arte contemporáneo local con artistas de distintas generaciones.

sábado 2 de enero de 2010

Reseña: LA MUESTRA DE LA MUESTRA

Omar Velázquez

Isabel Ramírez
(Nota: Es necesario agradecer a la directora del Programa de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña, Marilú Purcell, y a sus empleados, por abrir las puertas del Arsenal de la Marina Española en medio de sus vacaciones. De esta forma la prensa alternativa de los diferentes espacios culturales que publican en la Internet pudo hacer su recorrido y cada cual realizar sus respective reseñas.)

Como barómetro de la realidad plástica de los últimos dos años, la Muestra Nacional de Artes Plásticas 09 del Instituto de Cultura Puertorriqueña, logra presentar un cuerpo de trabajos variados que en términos generales recoge una visión de mundo más amplia, desarraigada del tradicional discurso nacional e insularista.
Eso no quiere decir que los hacedores del arte contemporáneo estén desapegados del todo de la preocupaciones y realidades inmediatas y cercanas, sino que se arman de discursos más universales para plantearse situaciones -cuando es el caso- que bien ocurren en la Isla y en otros lugares.
La pintura como medio tradicional conserva el predominio en esta muestra donde participan 111 artistas de cuatro generaciones, pero encontramos también trabajos en fotografía, vídeo, instalaciones y performance. También hay esculturas, aunque son las menos.
En cuanto a la calidad de las piezas, los colores son varios. Unas apuestan al dominio de las técnicas pictóricas y del dibujo a través de propuestas figurativas (que abarcan variedades estilísticas que van desde la pintura expresionista, hasta el arte pop y el graffiti, entre otros), mientras otros exploran sus ideas desde la abstracción. Las propuestas que podríamos enmarcar en el arte conceptual ofrecen una gran dosis.
El humor y la ironía, y el convite a la reflexión se hacen sentir con frecuencia.
Una de las piezas de más impacto es la instalación ¨De lo más inofensivo¨, de la joven artista Isabel Ramírez (ver reseña del Naufragio, junio 2009). En esta se presenta la imagen de una niña sobre un armazón colgante de madera, y en una esquina en el suelo una montaña de pequeños troncos de madera cubren un cuerpo. Cuando el espectador se acerca a la pieza se activan en el vacío las risas de una niña. Ramírez explora la niñez desde un lugar incómodo, incluso doloroso. Logra la artista una pieza efectiva en términos conceptuales y de espacio, que ya habíamos visto durante su primera exposición en la Galeria 356 en mayo de 2009.
De otro lado, también resultan efectivas las pinturas de gran formato de Nathan Budoff, que recogen una cantidad de signos para relatarnos algunas historias en las piezas ¨Television Angels on the Lookout for Free Spirit¨, y en ¨Amores difíciles¨, con el matrimonio Clinton como eje central.
Cabe mencionar la escultura ¨Cannibal Duck¨ de Edwin Jonathan Torres, donde confonta lo grotesco mediante la presentación de figuras como son el Pato Donald y un payaso. El artista coloca al Pato Donald sentado sobre la cabeza de un payaso al que se está comiendo. Un poco hace recordar las coloridas esculturas del artista holandés Folkert de Jong.
La pieza instalación de Omar Velázquez, ¨Misifú¨ logra destacarse no sólo por su tamaño, sino por la amalgama de objetos recolectados y reordenados para confeccionar el imaginario de los desamparados que llevan a cuesta, no sólo el peso de su vida presente, sino el peso de lo que tuvieron o no antes de terminar en las calles. (Ver entrevista a Velázquez en el proyecto del Naufragio, 10CONTEMPO)
Mientras la obra de Dhara Rivera, ¨Homenaje al Pterocarpus¨, una instalación documentativa, resulta la pieza que incuye performance mejor documentada de la muestra.
La presente muestra ha sido un parto doloroso en medio de los recortes y las limitaciones con las que cuenta no sólo el ICP, sino el Programa de Artes Plásticas dirigido por Marilú Purcell. Al final, ha valido la pena, a pesar de los señalamientos que se le puedan hacer.
Es una muestra con varias figuras conocidas y de trayectoria en la plástica isleña, y con nombres menos conocidos, pero no por esto de menos monta. Luego de todo, de eso se trata, de proyectar la actividad plástica de los últimos años y sus creadores. Ahí están los que mantienen la escena viva, con un escaso presupuesto, los autogestores, los que deciden mantener su producción sin el apoyo de las estructuras tradicionales del arte. Ese es uno de los principales signos de esta muestra.

viernes 25 de diciembre de 2009

Año de retos



Desde El Naufragio de las Palabras le extendemos una felicitación y un fuerte abrazo a todos y todas los que han patrocinado este espacio, que de alguna manera intenta producir cierta documentación sobre el arte en Puerto Rico y desarrollar proyectos editoriales.
El 2009 ha sido un año de muchos retos, y sobre todo de muchos ataques a la cultura. El 2010 se perfila como un año más intenso, que de seguro demandará de todos nosotros grandes sacrificios.
En este espacio intentaremos seguir contribuyendo  con un grano de arena junto a los compañeros y compañeras de otros espacios, que igualmente sienten el compromiso de proponer alternativas para lograr una escena del arte más plural, más democrática y más ética.
Como siempre, están bienvenidas las colaboraciones y preocupaciones de todos nuestros lectores, y esperamos que en el 2010 podamos -a pesar de las circunstancias, o precisamente debido a ellas- ofrecer un trabajo de interés y calidad para todos.
Sigamos en marcha. 

lunes 23 de noviembre de 2009

Reseña SUPRATEMÁTICA en LA 15

Myritza Castillo

Inés Aponte


Dhara Rivera
Kristine Serviá

Fotos cortesía de Joel Cintrón Arbasetti, de post-data

Supratemática, la reciente exposición que nos presenta el artista José Jorge Román en su espacio LA 15, con una pequeña muestra colectiva de las artistas Inés Aponte, Dhara Rivera, Myritza Castillo y Kristine Serviá, no permite una lectura fugaz.

Las obras no están identificadas, ni siquiera sabemos si llevan títulos, pero no están ausentes de alegatos. Al detenernos en la puerta de entrada del reducido espacio expositivo, podemos divisar las piezas de las cuatro artistas de dos generaciones: las primeras dos hace tiempo establecidas, las siguientes dos en pleno desarrollo. Cada una planta bandera con su temática en medios diversos, Aponte presenta 15 piezas en fotomontaje, college y vídeo; Rivera muestra fotografias y una instalación de ¨objetos¨; Castillo enseña dibujos y una instalación, mientras Serviá opta por tres dibujos de mediano formato.

A la derecha nos encontramos con un pequeño escritorio y una maquinilla probablemente de los 70, con una larga hoja de papel. Esta es la pieza de Castillo ¨Little stories of a collectives sub-dreams¨, cuyo título y el de las demás obras me he enterado días después.

La instalación ¨trabaja con la capacidad de las personas en general para crear historias reales o ficticias dentro de un contexto de una historia o un relato¨, donde se convida al espectador a sentarse y agregar su parte de la historia, a la iniciada por Castillo en una acción la noche de apertura. Detrás de la pieza hay tres dibujos de la maquinilla, vista desde diferentes ángulos. Con su obra, la artista espera que ¨de alguna forma nos sensibilicemos y regresemos a las cosas básicas¨, mediante una tarea arcaica como resulta la escritura en una maquinilla en una era de alta tecnología.

Hay en la pieza una confrontación a la sofisticación del momento, y a la pérdida del valor en las cosas sencillas y cotidianas. Probablemente muchos de los asistentes a la exposición, y no podemos olvidar que aunque LA 15 es frecuentada por un público heterogéneo siempre abundan los jóvenes menores de 30 años, éstos nunca hayan tenido contacto con una maquinilla. Con la acción Castillo retrata un presente de carencias en medio del tumulto, y lanza un detente para reflexionar.

En el corto recorrido llegamos a la instalación de 15 piezas en pequeño formato de Aponte, que al principio nos parece una sola obra y luego descubrimos que no lo es. ¨Ropa, Casa y Comida¨ es el nombre de la serie, que integra el fotomontaje y el collage. Visualmente atractiva, la pieza ¨investiga la naturaleza frágil y compleja de la vida cotidiana¨.

Aponte utiliza un lenguaje de signos para explorar o denunciar la venta de casas con ¨Casas para la venta I y II¨, o ratoneras de cantazo, donde literalmente vemos las típicas trampas para cazar rajieros. La ironía y el humor ofrecen una gran dosis en la obra. Así vemos la relación literal entre imágenes y dichos populares en las diferentes piezas. Mientras en el vídeo hay un juego visual de cuadrados que se ordenan y reordenan constantemente.

Muy cerca están las piezas de Rivera, llamadas ¨Muestrario¨. Una serie de fotografías y una instalación de pequeños objetos dorados cubiertos en algunas de sus partes con tejido en crochet rojo, montados en una vitrina blanca.

El trabajo de la artista resulta enigmático, cuando nos enfrentamos con pedazos de objetos encontrados o pedazos de animales disecados. Hay un proceso arqueológico y de preservación de esas piezas que evocan vida desde su estado inanimado. Hay un respeto y un reconocimiento, por algo adquieren ese color dorado, por algo llevan ¨vestiduras¨ de rojo sangre que es vida. Hay rescate y hay apego.

Culmina el recorrido con la serie ¨Filtros¨, de Serviá, quien asegura estar ¨explorando cómo el desarrollo de conflictos y resoluciones se desenvuelven (se construyen, empeoran, mejoran y luego desvanecen) dentro de las relaciones interpersonales¨. Lo muestra con un tríptico sobre papel, en el cual cada hoja aborda una parte del proceso, o como la artista dice ¨la interactividad entre un emisor y un receptor¨.

Serviá construye -a dibujo riguroso- una serie de cajas, contenedores y archivos, unos sobre otros, amontonados, muchos, pero organizados, de los cuales salen líneas de conexión que viajan por la primera hoja, atraviesan la segunda y retumban en la tercera, y viceversa. La artista, con una preoccupación particular por el orden en sus trabajos anteriores, sigue esa temática en la presente pieza pero desde otro punto. Esta vez hay una exploración directa individuo-individuo, y no individuo-lugar, individuo entorno o espacio, aunque todo esto pueda estar presente.

En general, para esta muestra en la cual prevalece el lenguaje conceptual, el espacio resulta adecuado y cada artista respira desde el lugar asignado por la curaduría de Román. Ninguna pieza riñe con la otras.  Supratemática resulta una muestra intrageneracional convincente con marcados diálogos donde sobresale la preocupación por el origen del presente -que es historia-, tanto a nivel personal y colectivo, desde un pasado rescatado y preservado, con miras a un futuro. Supratemática es el cuestionamiento del presente globalizado y desarrollado, con miras a un pasado. Supratemática es el diario vivir del yo con el yo, con el otro y con los demás.