Entrevista Teresa López

Teresa López: arte y documentación
A una década de iniciar el proyecto Orificio, la artista y profesora Teresa López concluye una etapa de esta publicación, la cual sirvió de plataforma para que decenas de artistas impulsaran trabajos y propuestas, y entablaran un diálogo impreso y visual con los seguidores del arte contemporáneo en Puerto Rico.
López logró editar seis ediciones de Orificio, que dan cuenta del trabajo creativo realizado durante los pasados años, ejemplares que constituyen una importante documentación, sobre todo, ante la falta de espacios para las manifestaciones alternativas en los medios de comunicación tradicionales.
Como bien admite López en entrevista con El Naufragio de las Palabras, Orificio es parte de trabajos independientes iniciados por otros, como el espacio cibernético ¨El Cuarto del Quenepón¨ de la artista y profesora María de Máter O´Neill a mediados de los ´90, que surgieron como proyectos experimentales y que han significado aportaciones relevantes para la escena puertorriqueña del arte.
Orificio surgió en 1999 mientras López se desempeñaba como profesora en el Departamento de Imagen y Diseño de la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico (EAP) y se interesó en abrir un espacio para que los estudiantes se relacionaran con la producción artística e intelectual de la facultad.
¨La escuela en sí era un lugar en donde estudiantes y profesores socializaban y, de ello surgían muchos intercambios interesantes, ocurrían numerosas tertulias y discusiones sobre arte, pero no existía manera alguna de teorizar y/o producir, tanto como de canalizar tal información a un nivel más formal. Eso también se extendía al mundo del arte en general¨, señala la artista.
¨Me surgió la idea de que Orificio podía funcionar no sólo para documentar o publicar lo que el artista como colaborador deseara -si censura alguna-, sino para que fuese un espacio de exhibición en sí mismo. En este último caso, era como si la página fuese una pared donde éste podía exhibir su pieza (preferiblemente hecha para su página, a modo de una obra ´site specific´¨, relata López, y agrega que realizó una convocatoria abierta e inclusiva ¨porque creía que debía de romper con el ´claquismo´ del cual adolecían los distintos grupos dentro de la EAP¨.

Al pasar revista sobre el inicio de su proyecto menciona que la convocatoria generó mucho entusiasmo entre la facultad y la entonces decana académica Doris Schnabel logró conseguir fondos para imprimir la publicación. ¨Yo monté las dos primeras ediciones en mi tiempo libre, sin paga; tiraba 500 copias y luego las distribuía entre la comunidad académica gratuitamente. Pero las cosas cambiaron en 2002 durante el proceso de producir una nueva (y tercera) edición, bajo la administración de una nueva Decana académica, quien se oponía al proyecto¨.
¨Lo que sucedió fue lo siguiente: a través del esfuerzo de la entonces directora de Departamento de Imagen y Diseño, Maryanne Hopgood, la administración me había prometido un mejorado auspicio, el cual permitía imprimir 1,000 copias y también ganarme algún dinero por mi esfuerzo. Pero la Decana nos indicó que la Rectora, Marimar Benítez, había indicado (a última hora) que si no se constituía una junta para seleccionar los trabajos sometidos por la facultad, retiraría el auspicio. Naturalmente, eso suscitó varias polémicas. La facultad estaba molesta y, por supuesto, yo me encontré en una encrucijada. El problema más grave que enfrentaba era que ya había hecho la convocatoria y la facultad ya me había entregado sus colaboraciones. Además, tal mandato vino luego que ya casi había concluido la parte del diseño y montaje de la publicación¨, explica López.
Luego, tras no aceptar condiciones impuestas, la EAP le canceló los fondos y eventualmente sus contratos como profesora, y en adelante las ediciones de Orificio estuvieron desvinculadas de la institución académica. A partir de 2003 el proyecto operó de manera totalmente independiente y abierto a la comunidad artística en general y recibió subvenciones del programa de Apoyo a las Artes del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
Propósito cumplido
¨Orificio fortaleció la idea de que era posible hacer y darle continuidad a una publicación de arte de tipo no comercial. También creó un espacio alterno donde los mismos artistas podían publicar su propia producción artística e intelectual. Esto, a mi entender, es un factor muy importante ya que, en el mundo del arte, la voz del artista está canalizada a través del sistema mismo por el historiador, el crítico o el ensayista, además de que entre él y el público media toda una serie de filtros: los coleccionistas y las galerías, así como por las instituciones culturales, educativas y artísticas, o la prensa, etc.¨, destaca López, cuando se le pregunta sobre los logros de Orificio.
¿Qué fue lo más difícil durante todos estos años? La artista menciona la falta de recursos económicos.
¨Para ser honesta, lo difícil del proyecto ha sido realizar todo el trabajo de producción y diseño, promoción, distribución y otros gratuitamente. No obstante, lo más difícil ha sido no haberle podido pagarle nada a los colaboradores. Los artistas tienden a sufrir de un cierto tipo de humillación: todo el mundo quiere algo del artista pero casi nadie quiere pagarle lo que su trabajo vale, después de todo, es un profesional, fue a la Universidad, obtuvo un título y tal… !y allí estaba yo, siempre pidiendo que me hicieran algo de gratis, detrás de ellos, que casi nunca tienen tiempo para nada! En ese sentido, Orificio es un proyecto que ha sido subvencionado principalmente con el amor al arte.¨
Algunos de los artistas que han colaborado con la publicación son Carmen Olmo Terraza, Charles Juhasz-Alvarado, Ana Rosa Rivera Marrero, Maryanne Hopgood, Carlos Fajardo, Kristine Serviá, Teo Freytes y Adal Maldonado, entre muchos otros.
En términos generales López entiende que su proyecto cumplió el propósito de ser un espacio alternativo al ¨oficial¨, tal como lo hicieron previamente otros artistas como Luis Hernández Cruz, Oscar Mestey, Mari Mater O’Neill, Teo Freytes y Javier Martínez, con publicaciones autogestionadas.
¨Entre los artistas mas jóvenes han proliferado numerosas iniciativas propias para publicar o hacer obra tipo publicación o crear proyectos artísticos que generen publicaciones. Un ejemplo de este tipo de iniciativa es Publica, organizada por Kristine Serviá. También muchos artistas emergentes se han dedicado a crear otro tipo de espacios de artistas: galerías, blogs, eventos, etc.¨
Con la sexta edición Orificio llega a su fin. López declara que el tiempo que requiere y el costo de producción (tenía que invertir de su dinero a pesar de los auspicios) la han llevado a tomar esta decisión. Sin embargo, aclara que no le molestaría que otra persona le diese continuidad, ¨siempre y cuando se mantuviese en la misma línea¨.
A dónde se dirige Teresa López
Recientemente la artista se graduó en el Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y El Caribe, donde obtuvo un máster en Estudios Puertorriqueños y ahora se dirige a cursar el doctorado. Dice que contribuirá al mundo del arte desde diferentes iniciativas.
Cuando se le pregunta si está trabajando piezas de arte, de inmediato lanza su respuesta. ¨Siempre, siempre hago obras de arte en mi cabeza o en bocetos, es una fijación, una manera de pensar particular de mi mente, o una neurosis, no sé. En realidad, es lo que me impulsa por el mundo y la única manera que tengo de interpretarlo, de darle un mayor sentido. Pero cuando debo de producirlas (también es una necesidad, como alimentarse) me dedico, por lo pronto, a realizar obra digital, que es la más inmediata, pues con sólo la computadora me basta. Algún día volveré a mis raíces, a la fotografía y a la pintura (ambas son disciplinas que estudié en la universidad) y también a trabajar con la cerámica. Esas tres disciplinas son mis raíces, en cierta manera. Y hay una cierta poética en ellas que el mundo digital no puede replicar.¨
López menciona que se encuentra en momento ¨muy determinante, coyuntural¨ como artista. ¨Se abren nuevos caminos y trato de dilucidar hacia dónde dirigirme. Por lo pronto, me interesa trabajar proyectos de arte y diseño que sean colaborativos y que superen el sistema del arte actual, tan comercializado. Lo que antes se definía como arte ha cambiado tanto y existen tantas y tantas posibilidades creativas que pueden impactar de distintas maneras el entorno que me siento como una niña de 4 años en una tienda de dulces.¨

Un crítico vigente

(Estracto de artículo publicado por e-barcelona.org con motivo de la publicación del nuevo libro compilatorio del crítico Daniel Giralt-Miracle. Éste hace una distinción entre la crítica actual y cómo se hacía en el pasado y da cuenta de cómo los críticos deben enfrentar los nuevos cambios en el arte y deben abordar las nuevas manifestaciones con su propio lenguaje, no el de antaño. Tomen nota...)

Desconcierto de la crítica

Daniel Giralt-Miracle sabe que la crítica de arte está cada vez más cuestionada y no tiene la influencia que pudo tener hace décadas. "La crítica es un reflejo de las oscilaciones del gusto y de los movimientos de la sociedad, y ahora estamos en un momento de gran desconcierto social, estamos todos perplejos por lo que está pasando. Además, después de la posmodernidad se han roto los esquemas y se han desdibujado las fronteras entre las disciplinas profesionales, lo cual plantea la posibilidades de afrontar aventuras intelectuales más amplias que hacen cada vez más absurdo el encerrarse solo en la crítica de arte como si fuera un castillo alejado de la realidad del mundo".Giralt-Miracle apunta otra razón de esta crisis: "El juego de las vanguardias ha llegado al límite. Ya no se puede rizar más el rizo. El vocabulario artístico y los recursos técnicos han aumentado mucho y tenemos infinitas posibilidades. En este sentido, pienso que vivimos un momento de crisis positiva. Hay tantos caminos abiertos que el problema es que no se sabe qué hacer, hacia dónde ir. En este sentido, el arte no ha muerto, como dicen algunos, pero sí ha muerto la escolástica del arte. Los críticos lo primero que tienen que hacer es cuestionarse la crítica, y esto supone todo lo contrario que continuar funcionando mediante decálogos sobre lo que es y no es arte. Yo, por ejemplo, he tenido últimamente más experiencias artísticas con puestas en escena de espectáculos como las de Pina Baus o Jaume Plensa para La Fura que con exposiciones".Con la mirada risueña que le caracteriza, Giralt dice que los jóvenes ahora tienen "más capacidad exploratoria", aunque a él inquietud para adentrarse en nuevos temas no le falta. "Tal vez lo que pasa es que la crítica literaria está en declive y en el futuro las mejores serán audiovisuales, es un nuevo camino que explorar. Este ensayismo breve, en ocasiones laudatorio y con un alto grado de frases hechas, no interesa a nadie. Los críticos hemos llegado a un manierismo excesivo y tenemos que encontrar otros medios".

(Pulse el título del encabezado para leer la entrevista completa)

Perfil: Radamés Figueroa

Radamés ¨Juni¨ Figueroa: de lo informal a lo formal
Al fondo, en la última mesa de la esquina en La Sombrilla Rosa, exactamente frente a un mural grafitero de Sofia Maldonado, está sentado Radamés ¨Juni¨ Figueroa. El joven artista frecuenta este bar sanjuanero de ensordecedora música, donde se siente cómodo para hablar de su trabajo.
Los contrastes marcan su personalidad y su obra. De aspecto relajado e informal, por momentos se mueve al ritmo de la música punk-rock y tan pronto escucha a su interlocutor se detiene. Esta es la cita para indagar en la expresión de su trabajo, que en apariencia parece simple.
Mientras otros artistas de su generación le dan la espalda a la pintura y le apuestan a medios en boga como el vídeo y la fotografía digital, Figueroa, quien estudió pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan, no deja de presentar una obra contemporánea pero siempre con el referente al formalismo de este medio.
El diálogo con la pintura tiene un sitial importante en su trabajo y aunque utiliza con frecuencia los ¨ready made¨, estos le sirven de pretexto para regresar a los pigmentos sobre la tela. Tales objetos manipulados y recontextualizados son motivos de otros cuadros o como acompañantes-extremidades de algunas piezas.
Ese es el caso del ¨Espanta polvo¨, una obra de gran formato que muestra a un hombre con capa, y que fuera presentada recientemente en Galería 356. El individuo -inspirado en sí- lleva una camiseta con la imagen de una calavera, unos calzoncillos floreados y unas medias, que esta vez son reales, las cuales comienzan en el cuadro y terminan en el suelo. La capa alude al periodo clásico, cuando los caballeros las cargaban como parte de su atuendo, pero llevan púas de metal.
Sobre esto, Figueroa -natural de Bayamón- explica que su trabajo muestra un constante referente a la historia a través de objetos o símbolos, con un lenguaje irónico y buslesco, pero enmarcado en la contemporaneidad y las sub culturas. Igual ocurre con la pieza que le mereció el primer premio del Certamen Joven de Oriental 2009, donde presentó la pintura de un índigena que lleva zapatillas de correr.
Aunque utiliza variados medios, siempre prevalece la pintura. ¨Es un reto mantenerse pintando en una época en que le tecnología domina todo. No debería morir la pintura¨, destaca el artista, quien ha logrado presentar su trabajo en y fuera de Puerto Rico, y forma parte de la cooperativa de artistas del curador Pablo León de la Barra, que lleva proyectos en diferentes partes del mundo.
En términos generales su obra nace de la calle, de sus continuas caminatas o visitas a sus amigos, principalmente músicos de bandas alternativas que van de parada en parada por todas partes. En ese sentido admite la influencia del artista belga Francis Alys, quien ha desarrollado una obra a partir de sus experiencias de caminante por diversas ciudades.
Hace algún tiempo Figueroa comenzó a utilizar en instalaciones y pinturas calzado deportivo (tenis) que presenta como tiestos con plantas sembradas. Dice que esto también es el producto de sus caminatas, al ver que la personas utilizan cualquier objeto para improvisar envases de siembra o cambiarles su función original para cubrir una necesidad inmediata.

¨Siempre está la estética que se nota viene de la misma idea, una estética simple. Yo como artista no puedo pensar en obras de arte que resulten caras y trato de bregar con lo que me es accesible y luego lo combino con la historia del arte¨, explica.
Comenta que al ver su obra, las personas ¨se divierten y se rien, le encuentran esa parte irónica¨ o se identifican, como ocurrió durante la pasada feria de arte Circa Puerto Rico 2009, donde presentó ¨Fuente¨, una instalación cuyo nombre hace referencia a ¨Fountain¨ de Duchamp. Su fuente tropical con licor tenía insertado un coco en el medio desde donde brotaba la bebida.
Trabajos anteriores de Figueroa incluyen unos murales pintados sobre techos de casas en el sector La Perla en el Viejo San Juan, los cuales pueden apreciarse desde las calle altas. Allí pintó dos murales con motivo de piel de animales, un proyecto que espera sea continuado por otros artistas con sus diversos lenguajes.

Entre sus planes están realizar trabajos que incluyan la música de una manera más concreta y no como referente a través de símbolos como lo ha hecho hasta ahora.
¨Me interesa continuar trabajando en mis ideas y organizar proyectos, mezclar la música, la ropa y todo con una estética de la subcultura punk¨, indica el artista, quien ha diseñado camisetas que han sido utilizadas por amigos músicos para sus presentaciones.
Se confiesa admirador de Duchamp, de su amigo José Lerma -quien se abre paso en el mundo del arte fuera de la Isla- y del arte que se hace en Latinoamérica. Pero sobre todo, de Alys.
Y aunque sigue la cultura punk, se siente influenciado por los situacionistas (aunque su trabajo no necesariamente resulta político) y admira el graffiti, regresa a lo formal y se muestra conservador. Rechaza que exista cabida para todas las manifestaciones en lo espaciones tradicionales para el arte y por eso le desagrada que el graffiti se saque de su contexto de la calle y se coloque en galerías. ¨Soy bastante formal dentro de la estética callejera. Lo bonito del graffiti es el acto anárquico¨.
Figueroa describe el arte ¨como un estilo de vida, un vehículo que el ser humano puede utilizar para compartir ideas, muchas veces utópicas, a veces funcionan , otras no, y para dejar saber que existimos¨.

NOTICIA

Documentado el trabajo creativo de la Isla en Paraguay

El proyecto ¨Performance en cartón¨, del artista sueco Henrik Hedinge, finalmente fue presentado en la Decimoquinta Feria del Libro de Asunción en Paraguay el pasado fin de semana e incluyó la historia ¨Rafael Vargas Bernard: en las fronteras del límite¨, documentada por Carlos Antonio Otero como parte del proyecto 10CONTEMPO.
El proyecto de Hedinge consiste de la recopilación de escritos de diferentes países relacionados al performance y publicados de manera artesanal en ediciones limitadas de 20 ejemplares. Se trata de una iniciativa de difusión de las diferentes expresiones contemporaneas del performance, y esta vez constituyó la primera publicación sobre el tema en Paraguay.
Además de la historia sobre Vargas Bernard, hubo participación de escritos de Birmania, Argentina, Perú, Brazil, Paraguay y España. La realización del libro y su presentación constituyen un acto de performance del proyecto sin fines de lucro.
El libro fue realizado por la editorial alternativa Eloísa Cartonera, una cooperativa ubicada en el barrio de la Boca en Buenos Aires, que edita libros con tapas de cartón, que son comprados a los cartoneros que recogen este material en las calles de Argentina. Estas cooperativas de editoriales cartoneras existen en diferentes comunidades marginadas en varios países latinoamericanos, que toman acción para desarrollar trabajos creativos al margen de las ayudas del estado. En el caso de Eloíza Cartonera ya ha publicado cerca de 200 títulos de escritores emergentes y conocidos que han decidido apoyar de alguna manera el proyecto. ¨Performance en cartón¨ presenta coloridas cubiertas pintadas a mano por las personas de las comunidades de la editorial, por lo que cada una es diferente.
Posiblemente el libro -como parte de un esfuerzo de intercambio cultural- sea editado en diferentes países como México, Peru y Argentina, entre otros, bajo el mismo concepto de colaboración con editoriales cartoneras. No se descarta seguir la presentación de ¨Performance en cartón¨en Puerto Rico, lo cual informaremos más adelante.
El proyecto 10CONTEMPO es una iniciativa de El Naufragio de la Palabras, que consistió de la visita a los talleres de 10 artistas contemporáneos, puertorriqueños, para documentar su trabajo, proceso creativo y su visión del arte contemporáneo.

PERFIL - LA 15

LA 15 también es arte
Casi dos años antes de que el gobierno anunciara su proyecto para impulsar la actividad cultural de Barrio Obrero a La 15 -con el reparto de varios millones de dólares a instituciones oficiales que dependen de la asistencia estatal para subsistir-, el artista Jose Jorge Román ya había comenzado a convidar personas hasta ese lugar de gente común y ambiente inhóspito para tantos.
El punto de encuentro -para sorpresa de muchos- citaba una vieja estructura a uno de los extremos de la Calle Cerra en Santurce, la misma por donde transitan a distintas horas la gente del barrio, adictos y travestis, entre otros.
Iniciado su proyecto junto a otros amigos y ahora él solo a su cargo, le bautizaron LA 15, un espacio de 11´X19´ y con techo de 11´ donde se presentan proyectos curatoriales de arte, de artistas con trayectoria y emergentes. Hasta ahora suman seis las muestras presentadas y van tomando forma varios proyectos en este particular sitio, que en el pasado ocupara La Casa del Boxeador.
¨Esto es un lugar abierto a nuevas propuestas, plural, y le da la bienvenida a artistas jóvenes¨, describe Román, quien se desempeña como profesor en la Universidad de Puerto Rico en Cayey, y además tiene en su hoja de trabajo haber realizado una de las obras de arte público de mayor extensión en la Isla. Él es el creador del mural ¨2112¨ que cubre gran parte de las paredes laterales a lo largo del Expreso Baldorioty de Castro.
LA 15 es un espacio sencillo de paredes blancas, donde parte de la acera y la calle vecinal se convierten en el vestíbulo al aire libre en cada actividad. El techo sólo guarece las obras de arte, mientras la trastienda del lugar sirve de taller particular para el artista egresado de la Escuela de Artes Plásticas en el Viejo San Juan.
Acabado de culminar sus acostumbradas corridas en bicicleta, Román recibe a El Naufragio de las Palabras en LA 15, toma su bebida energizante y mientras muestra el lugar, de fondo se escuchan algunos de los éxitos de la inmortal banda de Led Zeppelin, que surgiera a finales de los 60, probablemente cercana a la fecha de su nacimiento.
¨Aspiro a que en algún momento también se puedan presentar muestras de grandes artistas como Julio Rosado del Valle¨, señala el artista multidisciplinario, quien posee un grado de maestría en museología y ya ha hecho suya esta comunidad santurcina de contrastes .

José Jorge Román frente a una de las piezas expuestas en LA 15
Román no participa de las asignaciones de fondos que repartió el gobierno hace unas semanas como parte de su proyecto para revitalizar la zona, pero hasta ahora eso no ha limitado su gestión cultural y la promoción del arte contemporáneo desde la Calle Cerra.
Aunque está conciente de que no se puede depender de las ayudas gubernamentales para sostener proyectos culturales, tampoco las rechaza. Dice que lo importante es saber hacer las cosas y el compromiso que haya en cada gestión.
Como un lugar de convergencia e integración, el artista también aspira a que ¨vinieran los grandes mandatarios a las exhibiciones¨ e identificaran el compromiso del espacio con las manifestaciones artísticas. El público frecuente de LA 15 incluye artistas, algunos coleccionistas, y personas interesadas en las artes, aunque por su cercanía a la calle cualquier transeúnte se siente invitado y no vacila en entrar.
Román también quiere romper con las estructuras tradicionales de los espacios de exhibición y las galerías, y comenta que su interés es que se presenten trabajos que tienen los artistas y que nunca se han presentado, sin importar la fecha de realización. Dice que las galerías ¨siempre piden trabajo fresco¨ como si lo hecho en otro momento no tuviese mérito y valor. ¨Las obras no caducan ni se hacen con fecha de expiración¨, sentencia.
Próximamente podría presentarse una muestra de artistas mujeres que deberá incluir el trabajo de creadoras establecidas y emergentes, para establecer un diálogo entre variadas propuestas desde la óptica femenina, sin que necesariamente consista de trabajos basados en el tema de género.
¨Aquí lo importante es seguir desarrollando proyectos colaborativos y descentralizar los poderes tradicionales¨, añade.
Tras compartir algunos proyectos, de los cuales prefiere no hacer públicos por el momento, la amena conversación en ese espacio de posibilidades plásticas está por concluir, mientras Román sigue enfocado en sus gestiones en LA 15 y, de fondo, Robert Plant creo que lanza los últimos estribillos de ¨Over the hills and far away¨.

Instalación de Radamés ¨Junni¨ Figueroa, en pasillo externo de LA 15.

RESEÑA

De la infancia ¨y esas historias¨
Quién no ha escuchado la insípida frase: ¨El futuro es de los niños¨. ¿Y mientras tanto, qué? ¿O es que en lo que llega ese futuro, que no sabemos si es dentro de un minuto o al cabo de 100 años, no le queda más nada a los menores de edad que resignarse a la vulnerabilidad de la infancia sin voz ni voto?
Por esa línea nos lleva la artista Isabel Ramírez Pagán en su primera exposición individual en Galería 356, ¨Ingenuos faltos de saber¨, en donde nos presenta una variada muestra que incluye dibujo, pintura, instalación y objetos. La muestra inauguró el pasado 28 de mayo.
Ramírez Pagán, egresada de la Universidad de Puerto Rico, rescata personajes infantiles, principalmente niñas, y las coloca un pie al frente para que nos cuenten sus vivencias. Estos personajes no necesitan hablar, con sólo observar sus rostros y su lenguaje corporal empezamos el diálogo.
La artista, con su amplio dominio del dibujo reduce en un trazo limpio, sin adornos, la comunicación efectiva de sus ideas. Primero vemos en ¨De lo más inofensivo¨ a una niña absorta -se le ha ido el mundo- casi encarnando la figura del hijo del presidente John F. Kennedy, tal y como lo vimos en aquella fotografía durante los actos fúnebres tras el asesinato de su padre. De igual manera, la niña habita un espacio ajeno e incomprensible, que la lesiona, y su cuerpo la delata. Pero su intención no es ocultarlo, así es la ingenuidad.
Esta pieza consiste de un dibujo sobre papel de arroz recortado y adherido a un armazón de madera que cuelga del techo, técnica que la artista repite en otros piezas, aunque no necesarimente presente las demás colgando.
Muy cerca, una montaña de pedazos de madera del bosque ocultan el cuerpo de otra niña, esta vez sólo le vemos la cabellera. ¿Estará jugando a las escondidas? ¿O, es el cuerpo inerte tras la decisión funesta de un adulto quien no le reconoció voz ni voto, que entendió que el presente no es de los niños? Ramírez Pagán juega con la ironía y con su doble lectura nos propone relatos de fuerte contenido.
Sobresalen una serie en pequeño formato sobre madera cubierta de gesso con pequeños dibujos y maquillaje, titulada ¨De juegos y extravíos¨. Estos son niñas que pululan sin sentido en un lugar que no las acoje. La artista también presenta un montaje de pequeñas piezas en madera con dibujos de niñas, formando una caja rompecabezas, con esa sensación de encerramiento, o escondidas, o quien sabe.
Una pintura de gran formato muestra otro personaje femenino menor de edad -en óleo y resinas- en colores ocres que casi sugiere una plegaria, un pedido de ayuda.
En definitiva, Ramírez Pagán presenta una muestra pequeña pero contundente, de una belleza poética y una carga sicológica dolorosa.

Los ¨Ready, Ready Made¨ de Figueroa

Galería 356 presentó la misma noche un segundo ¨Mini-Solo Show¨, esta vez a cargo del artista Radamés ¨Juni¨ Figueroa, quien aborda el sarcasmo sin miramientos estéticos tradicionales y que ha llamado ¨Ready, Ready Made¨, con pinturas de mediano y gran formato e instalación.
Figueroa, quien estudió en la Escuela de Artes Plásticas, alude al ready made en su estado natural como objeto utilizado en sus piezas pinturas e instalaciones, o como objeto representado en sus pinturas. Incluso, se incluye como ¨ready made¨ representado en una de sus obras.
El artista propone un trabajo no siempre fácil de digerir -y en ocasiones se podría decir que hasta chocante-. Sólo precisa de torearlo un poco para entenderlo y percatarse de su intención. Nada es accidental.
Incorpora objetos a sus piezas proveyéndoles otra dimensión, y utiliza colores de marcados contrastes. Figueroa dialoga con lo cotidiano tal cual, por eso nos enseña la ropa tendida de una manera casi pública, distintivo de ciertos sectores en desventaja económica y social, y por eso el calzado básico -las tenis- siempre están presentes. Dicho calzado lo recontextualiza al mostrarlo como macetas para cultivar plantas en una de sus instalaciones. Y ¿qué nos dice? Que se puede germinal y crecer donde sea, que como indica el dicho popular: ¨de cualquier nube sale un chubasco¨.
Su trabajo, en parte, alude a la llamada ¨bad painting¨ de finales de los 70 en Nueva York, y que surge en contra del arte minimal y conceptual. Este tipo de pintura alude con frecuencia a las sub culturas y está en clara oposición al llamado ¨buen gusto¨.
Uno de sus propulsores fue el pintor y cineasta neoyorquino Julian Schnabel, quien realizo la película Basquiat.

Desde la Diáspora: Angel Otero

Angel Otero: Memoria, narración y concepto
Los artistas precisan de cierta sensibilidad para ver más allá de lo que el ojo común puede percibir. De esta manera un simple trazo puede convertirse en una experiencia cargada de significados, referentes históricos y enmarcada en un transfondo conceptual complejo que puede maravillar a muchos.
De ahí parte el acercamiento de Angel Otero con el arte, a quien el dibujo que realizara una vecina del popular personaje Hello Kitty, cuando él apenas tenía siete años, lo conmovió de tal manera y lo llevó poco a poco a convertirse en el artista plástico que es hoy, con una carrera que empieza a despegar con buen ritmo en Estados Unidos y otros países.
En agenda tiene importantes presentaciones y bajo el brazo carga la beca de $150,000 de la Leonore Annenberg in the Performing Arts Foundation Scholarship que recibió recientemente para continuar estudios postgraduados durante dos años.
Sobre su experiencia inicial con el arte, Otero le comenta a El Naufragio de las Palabras que ¨en aquel entonces nunca lo tomé como algo que se llamara ´arte´ sino un proceso con el que me obsesioné y que llevaba al más grande sentimiento de perfección. Algo tan mágico y poderoso que me parecía increíble… luego de dibujar ´Hello Kitty´ más de cientos de veces busqué nuevos retos y pasé a otras caricaturas, luego superhéroes, hasta llegar a dibujar a mi familia, mi hogar, etc…¨.
Hace poco más de un mes el artista de 27 años obtuvo una maestría en el Art Institute of Chicago, a donde se trasladó tras completar un bachiller en humanidades en la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras. Aunque su familia lo instaba a estudiar arquitectura, a escondidas dirigió sus estudios hacia las artes plásticas con una concentración en pintura.
Es de los que piensa que no podría hacer otra cosa y dice que el arte ¨es el permiso de traer a la realidad lo irreal… tengo permiso a decir tanto y de tantas formas que se convierte en una obsesión que no te deja dormir… tu mente grita tanto arte que la única manera de callarle es haciendo las ideas que te dicta formalmente¨.
En cuanto a su trabajo, se confiesa tener un enfoque más personal que social, por eso ¨busco poder lograr esa satisfacción entre el resultado de la idea principal y el resultado final¨ de la pieza de arte.
¨Mi trabajo es muy personal, es una mezcla de memoria, narrativa y concepto, donde en todo momento lo que se está llevando a cabo es una confrontación entre yo y mis memorias… donde las mismas se alteran, realteran y re-re-alteran hasta llegar a un resultado sorpresa¨, destaca Otero, y añade que ¨hay mucho juego con el destino en el proceso, donde busco que visualmente los accidentes ocurridos en la obra sean expuestos formalmente como parte de esa confrontación¨.
Sin embargo, aclara que no busca crear algo ¨que sea tan personal que el espactador no pueda entrar sino algo personal que busca colocarse en algo universal donde exista un tipo de relación entre el espectador y la pieza. Antes de lograr algo con una estética de ´belleza´ busco situar un problema entre obra espectador y artista; creo que cuando se plantea la pregunta de quién está bien y quién está mal cuando se está frente a una obra es un resultado positivo de lo que el arte debe crear¨.

Para realizar sus piezas, Otero utiliza diversos materiales desde los tradicionales como el óleo, pero también experimenta con diversos tipos de pinturas, madera, telas, impresiones, porcelana, silicona, metales y papel, entre otros. ¨Todo pasa por un proceso de manipulación, y/o alteración hasta convertirlo en algo más mio. Estoy en este momento experimentando con el vídeo queriendo incorporar la plástica en proyecciones… literalmente¨.
Al pensar en la aceptación y el reconocimiento que está recibiendo su trabajo fuera de Puerto Rico, Otero reflexiona sobre sus aspiraciones y menciona que ¨me gusta ser ambicioso y ver cuánto puedo estirar mi mente e imaginación y me encanta tratar de romper con los esquemas de que alguna pieza que tenga en mi mente es imposible de recrear¨.
¨Quiero llegar lejos… bien lejos… literalmente y simbólicamente. Pero me funciona más pensar dónde estaba y caminar, caminar y caminar… no creo que quiera saber hasta dónde quiero llegar… Por ahora sólo quiero seguir caminando¨, manifiesta.
A la pregunta de cuáles son sus referentes en su trabajo, lo primero que dice es ¨mi abuela¨. De hecho, algunas de sus pinturas están basadas en las mesas hogareñas que preparaba su abuela con manteles bordados y flores, elementos muy presentes en sus piezas más recientes.
Justo ahí está el punto de encuentro de lo personal y la memoria rescatada en cada elemento presentado en sus obras. Son las flores abstractas, en ocasiones postimpresionistas, en un entorno a veces surrealista, -algunas realizadas con papel de aluminio- que dan muestras de que alguna vez tuvieron mejor vida. Son los pedazos de tela u otros materiales que incluso a veces se salen de la pieza y terminan en otro espacio. Por eso hay un juego de lo real con lo irreal en la obra de Otero, que se nos presenta como dos realidades sacadas de un mismo entorno pero cohabitando lugares distintos a la vez. Algunas de sus piezas discurren entre la pintura y la instalación. La fuerza de las profundidades, el color y las texturas crean imágenes difíciles de pasar por alto.
Aunque menciona como referente principal a su abuela, no podemos dejar de pensar en algunas de las flores de Van Gogh. Y como le escribiera este a su hermano Théo cuando concluyó sus serie de girasoles: "Verás que estas telas entran por los ojos. Pero te aconsejaría que las guardaras para ti (...). Es esa clase de pintura de aspecto un poco cambiante, que se va enriqueciendo cuanto más la miras". Igual ocurre con las piezas de Otero, aunque en un contexto contemporáneo.

Al presente, el joven artista trabaja en diferentes proyectos entre lo bidimensional y tridimensional. ¨Así como trabajo en alguna pintura gigante a la vez estoy moldeando una porcelana que va adjunta a alguna silla que va en la pared y que se extiende por el piso o el techo¨, explica entre risas.
Mientras tanto se prepara para su primera presentación en solitario en la feria de Art Basel en Miami con la galería Kavi Gupta en diciembre próximo. ¨Quiero buscar las críticas de los críticos y la reacción del mundo del arte hacia lo que yo hago. Creo que será bien importante para mi¨, explica. Actualmente participa en una colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y proximamente participará en otra en Islas Canarias.
Participó en la pasada edición de la feria de arte ARCO en Madrid, donde todas sus piezas se vendieron el primer día, e igual ocurrió durante la reciente feria CIRCA en Puerto Rico.
Otero confía en su trabajo aunque reconoce que el arte contemporáneo ¨es muy abarcador y es muy competitivo¨. ¨Los tiempos cambian y el ser humano por naturaleza busca cada día cuál será su nueva experiencia. Y el arte busca eso cada día, qué nueva experiencia recrearle al mundo, qué el mundo necesita hoy de nosotros... tratando siempre de que sea una con el fin de hacer un mundo mejor… supongo¨.
Ya con algunos años establecido en Chicago y próximamente podría dirigirse a Nueva York, opina que en Puerto Rico hay mucho talento pero falta reenfoque. ¨Creo que el factor de que muchas de las instituciones tengan un carácter conservador crea en muchos jóvenes no conocer las posibilidades que tienen para ejercer su práctica… las mentes se quedan un poco cerradas, hay que viajar, leer mucho, buscar, leer y preguntarse¨.
¨Cuando trabajen no busquen estar en esa zona cómoda o segura… sino busca tu zona incómoda y confróntala y el resultado será de mucho más provecho. Hay que leer mucho de arte, los artistas vivos y muertos, del arte de antes pero más aún del de ahora… hay mucho pasando allá afuera y hay que saber antes de salir¨.

RESEÑA - Acciones en el 210

Sin Título, 2009
Vídeo performance - Vanessa Hernández y Rafael Miranda
Edición: Ariel Annexy Labault
Foto: Abdiel Segarra
De la acción a la acción
Han hecho su primera parada este pasado jueves en un antiguo local colonial, que tuvo como último inquilino a un restaurante de pollos asados. El 210 de la calle San Francisco en el Viejo San Juan ahora lo ocupan La Nómada.
Se trata de un colectivo de artistas de las acciones liderados por la artista y profesora Vanessa Hernández Gracia, quienes esta vez nos servirán variados ¨platos¨, de a poco cada jueves durante cuatro semanas.
Sobre la mesa del primer jueves estaba colocada toda la documentación que, en parte, sirvió de punto de partida para la confección del ¨menú¨. Los ingredientes consistieron de viejas y destacadas acciones realizadas por artistas reconocidos, pero esta vez llevadas a cabo en un contexto diferente, amen de la contemporaneidad. El propósito, según Hernández, es provocar un acercamiento a propuestas históricas y explorar el tratamiento corporal que le imparte cada artista.
A la mesa documental, le siguió el registro visual de la acción de la artista Marielis Castro, basada en la pieza ¨Einhorn¨, que hiciera en los 70 la artista alemana Rebecca Horn (1944). Castro le llamó ¨El Delta¨ y ha recorrido un valle de Arecibo con enormes alas doradas, y con sus movimientos ha relatado una historia mitológica. Así consta en una serie de 28 fotografías blanco y negro de altos contrastes donde su cuerpo se confunde con el paisaje y el centelleo del sol sobre sus alas doradas. El resultado es una compilación de buenas fotografías sobre la experimentación corporal de la artista.
De otra parte, al fondo del desaparecido restaurante un monitor nos presenta el largo paseo que han dado Hernández y el artista Rafael Miranda por la Milla de Oro en Hato Rey, el Cantón Mall en Bayamón y por Río Piedras, cadena en cuello y a cuatro patas. Esta acción tuvo su origen en la realizada por los artistas Valie Export (Austria, 1940) y el ruso Peter Weibel (Antigua Unión Soviética, 1944), el cual hicieron en Viena en 1968. La pieza original se llamó ¨From the Portfolio of Doggishness¨.
Hernández paseó a Miranda como si fuese su perro (y luego intercambiaron los roles) mientras las reacciones de los espectadores iban desde total indiferencia en la zona bancaria, hasta fuertes frases sexistas en Bayamón. Ambos experimentaron el dominio del otro reducido a la experiencia animal, sin opciones reales más allá de los designios del amo.
Esta acción, donde además se demuestra el esfuerzo físico de los artista, casi plantea una radiografía sociológica del puertorriqueño actual, según su estrata social y económica, (ya sea ésta real o en apariencia).
Esta acción es parte de los innumerables performances hechos por los artistas del llamado ¨accionismo vienés¨ en los 60, movimiento caracterizado por el rechazo del arte tradicional. Dichos trabajos utilizaban principalmente el cuerpo como elemento fundamental del planteamiento artístico, que muchas veces resultaba grotesco y violento.
Cada siguiente jueves de junio se añadirán nuevas acciones y los visitantes podrán disfrutar del trabajo de otros artistas como Fernando Pintado y Aracelis Pino. La cita es de 7:00 p.m. a 10:00 p.m.

RESEÑA

En la trastienda del Paraíso
Proyecto de Ricardo Morales Hernández
¨Tiene que haber un Paraíso¨, dice Ricardo Morales Hernández. Es una afirmación que parece utópica en boca de un joven artista que ¨para nada¨ se define religioso.
Sobre eso y otras cosas trata ¨BRÈVE HISTOIRE DE L'ESPRIT SAINT: TOME PREMIER¨, su propuesta en solitario como parte de una residencia en el espacio ÁREA en Caguas. En ésta, precisamente el artista propone la idea de ese paraíso a dónde iremos a morar, quien sabe si los buenos y también los malos.
Morales Hernández, en cuyo proyecto abarca desde la pintura mural, el collage, el dibujo y la instalación, parte del cuestionamiento sobre cuál es nuestra necesidad espiritual y cómo puede suplirse. Él explica que con el presente trabajo ¨evalua la idea del Dios irreconocible e inaccesible que planteaban los racionalistas franceses¨.
Mientras en la literatura el poeta inglés John Milton (1608-1674) nos hablaba del paraíso perdido en su poema de igual nombre, y mucho antes el renacentista pintor veneciano Tintoretto (1518-1594) nos mostraba ¨El Paraíso¨ que decoraba el Consejo de Palacio Ducal en Venecia, Morales Hernández trabajó durante algún tiempo en su concepción contemporánea de ese Edén.
De esta manera, se propuso confrontar al público con la idea en desuso del también llamado ¨Jardín de las delicias¨, corrompido por Adán y Eva. Pero su trabajo no se limita al Paraíso como lugar placentero de exhuberante paisaje, sino que rebusca en la historia y desempolva las mentiras heredadas (como parte de políticas de estado y religiosas conducentes a la manipulación) que significaron gozo para unos y sangre para otros en ese camino para alcanzar la tierra prometida.

¨Mi jardín de las delicias¨
Así, nos encontramos primero con una serie de collage en pequeño formato con imágenes de personas, pedazos de textos, unos tapados, otros desvelados, donde Morales Hernández juega con ¨símbolos¨ para plantear su comentario.
En conversación con El Naufragio de las Palabras, el artista destaca que su idea es la de un gobierno regido por un ente espiritual, que en consecuencia convertiría este espacio terrenal en el gran Paraíso. En ese sentido señala a la figura carnal como la que corrompe la posibilidad de un lugar mejor cuando está en el plano de líder.
Una de las piezas ¨Ink and blood¨, consiste de un mural de frondosas enredaderas -blanco, negro y rojo- que sugiere el lugar soñado, pero igual prevalece el caos. Al igual que en las pieza ¨Canto de las heridas¨ (tinta y lápiz sobre papel) y ¨El jardín de mis delicias¨ (carbón sobre pared e instalación), sobresale la destreza del artista para el dibujo. En ¨El jardín de mis delicias¨ crea personajes de ambos sexos, animales, vegetación, riachuelos y la figura del ente espiritual.
Otras tres instalaciones se añaden a la muestra, acompañadas de dibujos, pintura, objetos, tierra y plantas, entre otros elementos, cargadas de referentes históricos y culturales. Por tanto, la investigación documental e historiográfica como parte del proceso conceptual es notable en la muestra. El artista señala que ¨las piezas Music & Martys (instalación) así como Ink & Blood (mural) dan a conocer para mí el precio de exponer y tratar con la verdad, evidenciando en diagramas cifras y sucesos de muertos por la exposicíon de la idea de un reino celestial o un gobierno de Dios. Ideal que defendieron hasta la muerte sin poder arrebatar su tesoro. Musicalmente adaptamos algunas notaciones del coro del Mesías de Handel sobre los diagramas como si el pentagrama fuese la línea del tiempo y cada nota un suceso¨.

¨Music and Martys¨
Morales Hernández produce un arte visualmente atractivo que requiere de pensamiento y conocimiento para su comprensión cabal.
Este es el tipo de propuesta contemporánea que no recuerdo haber visto en ninguno de los museos de Puerto Rico en mucho tiempo. En el proyecto de Morales Hernández hay política, religión, filosofía, denuncia, hay ideas, al margen de los clichés y de los ¨discursitos¨ plásticos que abundan por ahí. El trabajo físico y mental (y por su supuesto el talento) del artista quedaron muy presente.

COMENTARIO

¨Llamado urgente a la reconstrucción¨, CAO, 2007.

Más allá del arte

Aunque El Naufragio de las Palabras intenta ser un espacio para promover el arte contemporáneo en Puerto Rico, no es menos cierto que el arte y los artistas pueden ser un instrumento de lucha, sin pretender adjudicarle estos como elementos fundamentales del arte y mucho menos significarlo como arma política. En estos tiempos -y ya hace algún tiempo- hemos visto como se ha transformado el mundo en que vivimos y como han cambiado las luchas sociales y los reclamos de espacio para diferentes instancias, ya sea para expresar una opinión, para reclamar derechos, luchas ambientales, económicas, incluso espacios para las manifestaciones artísticas, y ya sobre esto último nos sobran ejemplos. La llamada ¨crisis económica mundial¨ nos plantea muchos retos, sobre todo porque de esta se agarran los más poderosos para amoldar el orden de las cosas (entiéndase derechos adquiridos, derechos sociales, etc...) a sus intereses. Los nuevos cambios, o las nuevas vías de atropellos, marginación, exclusión y las nuevas maneras de allegarse riquezas y empobrecer a la mayoría, requieren por tanto nuevas luchas y nuevas maneras de reclamar derechos. Y reclamar derecho no significa pedir permiso para obtener lo que nos pertenece, porque eso sería mendigar. Lo que es nuestro es nuestro y punto. ¿O acaso pedimos permiso para respirar?

Por eso, ¨la lucha¨ de la Escuela de Artes Plásticas y de otras instituciones -de las cuales podemos tener opiniones sobre su funcionamiento o no-, y nuestras luchas particulares requieren de mucho más que de pancartas y altavoces. Hay luchas de reclamos y hay luchas para mantener espacios, entonces las vías para lograr victorias son distintas. No nos entretengamos en esfuerzos futiles. A lo concreto.

Cuando seguimos navegando en las mismas aguas me doy cuenta de que estamos en ¨la era de la estupidez¨. Constantemente estamos bombardeados de información, tenemos acceso como nunca antes en la historia de la humanidad a información insospechada y al parece no la sabemos utilizar. No podemos seguir utilizando la nueva tecnología y los nuevos recursos para ¨el baile, la botella y la baraja¨ solamente. De lo contrario, ¿cuál es el avance?

A continuación les incluyo un manifiesto del Foro Mundial de Alternativas, con el cual podemos estar en acuerdo o desacuerdo, pero igual nos ofrece un resumen interesante de la realidad actual. La idea no es solidarizarnos con todo lo que leemos, sino tener más información y poder ampliar nuestra visión y asumir posturas. Ahí se los dejo.

Manifiesto del Foro Mundial de las Alternativas
Es tiempo de revertir el curso de la Historia. El destino de la Humanidad se halla en juego. Los progresos científicos y los adelantos técnicos, joyas del saber, sirven a los intereses de una minoría, en vez de contribuir al bienestar de todos. El uso que se hace de la ciencia y la técnica aplasta, margina, excluye a numerosos seres humanos por todo el mundo y deteriora el medio ambiente. El acceso a los recursos naturales, a los del Sur en particular, sigue bajo el control de los centros y se convierte en objeto de pugnas políticas y en amenazas de guerra. Es tiempo de revertir el curso de la Historia.Es tiempo de poner la economía al servicio de los pueblos. Hoy, la economía no suministra bienes y servicios sino a una minoría. En su forma actual, empuja a la mayor parte de la humanidad hacia estrategias de supervivencia, y niega incluso el derecho a la vida a cientos de millones de personas. Fruto del capitalismo neoliberal, la lógica económica forja y acentúa las desigualdades. Con su creencia en la virtud autorreguladora del mercado, fortalece el poder económico de los ricos y aumenta el número de pobres. Es tiempo de poner la economía al servicio de los pueblos.Es tiempo de derribar el muro entre el Norte y el Sur. Los monopolios del saber, de la investigación científica, de la producción de punta, del crédito, de la información, garantizados por instancias internacionales, crean una polarización que crece día con día en el mundo y al interior de cada país. Muchos pueblos, encerrados en lógicas de desarrollo culturalmente destructivas, físicamente insostenibles y económicamente dependientes, no pueden definir por sí mismos las etapas de su evolución, ni construir las bases de su propio crecimiento, ni asegurar la educación de sus jóvenes generaciones. Es tiempo de derribar el muro entre el Norte y el Sur.Es tiempo de encarar la crisis de civilización. Los objetivos limitados del individualismo, el universo cerrado del consumo, la invasión del productivismo y, para otros, la búsqueda obsesiva de la simple supervivencia cotidiana, ocultan los grandes objetivos de la Humanidad: el derecho a la vida, la liberación de la opresión y la explotación, la igualdad de oportunidades, la justicia social, la paz, la espiritualidad, la fraternidad. Los progresos de la biotecnología llevan al resurgimiento cíe los debates sobre la naturaleza y los fines de la existencia humana. Es tiempo de encarar la crisis de civilización.Es tiempo de rechazar el poder del dinero. La concentración del poder económico en manos de empresas transnacionales atenta contra la soberanía de los Estados. Es una amenaza para la democracia, en cada nación y a escala del universo. El predominio del capital financiero no sólo compromete el equilibrio monetario internacional. Contribuye a transformar numerosos Estados en verdaderas mafias y alienta las fuentes ocultas de la acumulación capitalista: el narcotráfico, el comercio de armas, las redes cíe prostitución. Es tiempo de rechazar el poder del dinero.Es tiempo de transformar el cinismo en dignidad y la dignidad en poder. La Bolsa de Valores se dispara con el despido de trabajadores. La competitividad se afianza con la eliminación de los consumidores. La curva de excelencia de los índices macroeconómicos tiene por correspondencia el aumento del número de pobres. Los alicientes de las instancias económicas internacionales son para quienes, al ajustar su economía, ahondan la brecha entre las clases y fomentan la multiplicación de los conflictos sociales. La ayuda humanitaria internacional es tragada por los que han sido reducidos a la desesperación. Es tiempo de transformar el cinismo en dignidad y la dignidad en poder.Es tiempo de reconstruir y democratizar el Estado. El desmantelamiento del Estado, la contracción de sus funciones, las privatizaciones a ultranza desembocan en la desmoralización del servicio público, en el debilitamiento de los sectores educativos y de salud, y a fin de cuentas en su tutelaje por los intereses económicos privados. La globalización neoliberal tiende a alejar al Estado de la población, y a fomentar la corrupción. Hace del Estado un instrumento represivo al servicio de sus propios objetivos. Es tiempo de reconstruir y democratizar el Estado.Es tiempo de ser verdaderos ciudadanos. Millones de personas no tienen derecho al voto porque son inmigrantes y millones más no votan, por despecho, desaliento, crisis de los partidos, sentimiento de inutilidad o exclusión de la vida política. Influencias e intervenciones diversas suelen alterar a menudo el sentido de las elecciones. Pero la democracia no consiste sólo en las elecciones. Es la participación en todos y cada uno de los niveles de la vida económica, política y cultural. Es tiempo de ser verdaderos ciudadanos.Es tiempo de fortalecer los valores colectivos. La modernidad vehiculada por el capitalismo e ideologizada por el neoliberalismo ha destruido o pulverizado las culturas existentes. Ha hecho que estallen las solidaridades y que se resquebrajen las convicciones, y en su lugar ha puesto la exaltación del individuo, cuya eficiencia está a la medida cíe su éxito económico. Lejos de ser factor de emancipación para el conjunto de los pueblos, ha desembocado en una crisis de la educación, en violencias sociales y en explosiones de movimientos identitarios estériles, nacionalistas, étnicos o religiosos. Es tiempo de fortalecer los valores colectivos.Es tiempo de globalizar las luchas sociales. La internacionalización de la economía podría significar un adelanto considerable para los intercambios materiales, sociales y culturales entre los seres humanos. Hoy, bajo su forma neoliberal, es una pesadilla que atormenta a las víctimas del desempleo, a los jóvenes que se preguntan por su porvenir, a los pueblos excluidos de la producción, a las naciones sometidas a los ajustes estructurales, a la desregulación del trabajo, a la erosión de los sistemas de seguridad social y a la eliminación de las redes de protección de los más débiles. Es tiempo de globalizar las luchas sociales.Es tiempo de despertar la esperanza de los pueblos. En todo el mundo se organiza la resistencia, se llevan a cabo luchas sociales y se buscan iniciativas alternas. Por doquier, mujeres, hombres, niños, desempleados, excluidos, oprimidos, obreros. Campesinos sin tierra, comunidades víctimas del racismo, pobres de la ciudad, pueblos indígenas, estudiantes, intelectuales, migrantes, pequeños comerciantes, descastados. clases medias en decadencia, simples ciudadanos, afirman su dignidad, exigen sus derechos humanos, hacen que se respete el patrimonio natural y practican la solidaridad. Unos han entregado su vida por estas causas, otros son héroes cotidianos. Unos reconstruyen sus situaciones concretas, otros experimentan con fórmulas la renovación de la economía. Unos sientan las bases para otra política, otros crean una cultura nueva. Es tiempo de despertar la esperanza de los pueblos.Ha llegado el tiempo de las convergencias. Convergencia de las luchas, convergencia de los saberes, convergencia de las resistencias, convergencia de las alternativas, convergencia de los espíritus, convergencia de los corazones, hacia un mundo de justicia e igualdad, de inventiva y progreso material, de optimismo y florecimiento espiritual. Este mundo, podemos construirlo si encontramos alternativas viables al neoliberalismo y a la globalización unilateral, alternativas que se basen en los intereses de los pueblos y el respeto a las diferencias nacionales, culturales y religiosas. Ha llegado el tiempo de las convergencias.El tiempo de que un pensamiento creador y universal se abra ante nosotros. El análisis de las consecuencias económicas, sociales, ecológicas, políticas y culturales de la organización económica actual conducirá a su deslegitimación. La búsqueda del equilibrio entre la iniciativa personal y los objetivos colectivos dará paso a nuevas fórmulas. El estudio de la expansión de sectores no mercantiles, el de las técnicas de producción que toman en cuenta el bienestar cíe quienes las utilizan, cl cíe la organización y de la naturaleza del trabajo, contribuirán también a la creación de una organización colectiva más humana. El tiempo de que un pensamiento creador y universal se abra ante nosotros.El tiempo de la acción ya ha comenzado. La democracia ya no es tan sólo una nieta en la organización de las sociedades. Aparece también como la clave para el funcionamiento de los movimientos sociales, de los partidos políticos, las empresas. las instituciones, las naciones y los órganos internacionales. Se lía venido experimentando como un aporte esencial para el respeto de los intereses populares y la salvaguarda de la seguridad nacional e internacional. La apertura de espacios para todas las culturas, por cuanto todas forman parte del patrimonio de la humanidad, permite superar progresivamente los repliegues identitarios reduccionistas. La existencia de estados democráticos, competentes y transparentes aparece como la base para el restablecimiento de su poder de regulación. Los reagrupamientos económicos y políticos regionales, basados en la complementariedad interna, se perfilan como la mejor respuesta a las necesidades reales de la población y como una alternativa consistente a la globalización neoliberal. Reforzar y democratizar las instituciones internacionales, regionales y mundiales se ha convertido en un objetivo realizable, del que dependen el progreso del derecho internacional y de la insoslayable regulación de las relaciones económicas. sociales y políticas, tanto en el plano mundial, como en los ámbitos del capital financiero, de la fiscalidad, de las migraciones, y del desarme. El tiempo de la acción ya ha comenzado.Hoy, es menester crear una red de personas comprometidas, de organizaciones populares, de movimientos sociales, de centros de estudio. Ha llegado el momento de constituir un foro de los foros dispersos en el mundo. Es preciso reflexionar y trabajar juntos, apoyar las luchas sociales abiertas al porvenir. estimular las alternativas viables a la globalización neoliberal, difundir los resultados de los trabajos y las experiencias. Estamos seguros de que se puede construir una democracia universal, respetuosa de la identidad y de la dignidad de todos los seres humanos. Estas son las razones por las cuales los Firmantes de esta declaración apoyan la creación del Foro Mundial de las Alternativas. Invitamos a los que pueden hacerlo a firmar esta declaración, a adherirse al Foro y a hacer que participen en él los movimientos y las instituciones que comparten estos ideales y de los cuales forman parte. Es tiempo de revertir el curso de la Historia.